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WASSILYKANDINSKYRücKbLIcKwoldemarkleinverlag. baden- badenWASSILY KANDINSKY, RücKbLIcK 1. Labiles Gleichgewicht; Nr. 659, 1939WASSILYKANDINSKYRücK bLIcKMITEINEREINLEITUNGVONLUDWIGGROTEUNDMITACHTFARBTAFELNWOLDEMARKLEINVERLAGBADEN- BADENcopyright 1955 by Woldemar Klein Verlag, baden-baden Farbklischees: Meyle und Müller, Pforzheim Satz und Druck chr. belser, Stuttgart Printed in Germany Zur Einführung Als Herwarth Walden Ausstellungen der bildenden Kunst in sein Programm aufnahm, holte er als erste 1912 die blauen Reiter nach berlin und gewann sie als Mitarbeiter für seine Zeitschrift „Der Sturm...
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WASSILYKANDINSKY

RücKbLIcK

woldemarkleinverlag.   baden- baden, WASSILY KANDINSKY, RücKbLIcK, 1. Labiles Gleichgewicht; Nr. 659, 1939, WASSILYKANDINSKY

RücK bLIcK

MITEINEREINLEITUNGVONLUDWIGGROTEUNDMITACHTFARBTAFELNWOLDEMARKLEINVERLAGBADEN- BADEN, copyright 1955 by Woldemar Klein Verlag, baden-baden Farbklischees: Meyle und Müller, Pforzheim Satz und Druck chr. belser, Stuttgart Printed in Germany,

Zur Einführung

Als Herwarth Walden Ausstellungen der bildenden Kunst in sein Programm aufnahm, holte er  als erste 1912 die blauen Reiter nach berlin und gewann sie als Mitarbeiter für seine Zeitschrift  „Der Sturm“, in welcher er ihre Zeichnungen, Holzschnitte und literarischen beiträge veröffent-  lichte.  Im  Jahre  1913  brachte  Walden  eine  Monographie  über  Kandinsky  heraus.  Für  diese  schrieb Kandinsky einen längeren beitrag, den er als „Rückblick 1901–13“ bezeichnete und fügte  Analysen einiger seiner Werke hinzu, von denen 75 wiedergegeben wurden. Der Druck erschien  1913 in kleiner Auflage und ist heute recht selten geworden. Es ist sehr zu begrüßen, daß der  Verlag Woldemar Klein einen Neudruck veranstaltet, der sich gegenüber der Erstausgabe durch  sehr viel bessere farbige Abbildungen auszeichnet. Im Mai 1913 hat Kandinsky den Rückblick auf sein Leben und Schaffen niedergeschrieben –  als er 47 Jahre alt war. Das erste abstrakte Aquarell hatte er 1910 geschaffen. In den folgenden  drei Jahren war eine Kette herrlichster rein abstrakter bilder entstanden, doch gab es neben  diesen andere, denen noch ein Objekt zugrunde lag. Erst 1913 löste sich Kandinsky endgültig  von der Dingbezeichnung. In diesem Zeitraum fand nicht nur die epochale blaue-Reiter-Ausstellung statt. Es erschienen  auch in kurzem Abstande die Schriften Kandinskys, welche die geistige bewegung fundierten:  Der blaue-Reiter-Almanach, „über das Geistige in der Kunst“, die bühnenkomposition „Gelber  Klang“ und das buch „Klänge“, das Gedichte und Holzschnitte vereinte. Hans Goltz veranstaltete  1912 die erste umfassende retrospektive Ausstellung Kandinskys. Dieses Triennium stellt die  dramatischste Epoche der modernen Kunst dar,  in welcher sie radikal und kühn bis an die  äußersten Grenzen ihrer Möglichkeiten vorstieß. Es waren auch die drei großen siegreichen Jahre  Kandinskys, in denen sich seine Malerei in einzigartiger Produktivität entfaltete. Er erreichte  die Klarheit über seine geschichtliche Aufgabe. Das ganze bisherige Leben erschien ihm als der  Weg, auf den ihn die Stimme der berufung geführt hat. Sein Ansehen stieg, für viele galt er als  der Schöpfer und Gesetzgeber des neuen Zeitalters der Kunst. Natürlich war Kandinsky wie überhaupt die Wendung der Kunst zu ihren Elementen stark um-  stritten. An diesem Punkte ihrer Entwicklung verließ die moderne Kunst Wegbereiter wie Julius  Meier-Gräfe. Von allen Argumenten, die seiner Kunst entgegengehalten wurden, traf Kandinsky  am tiefsten der Vorwurf, es handele sich um intellektuelle Konstruktion oder um eine Spielart  dekorativer Ornamentik. Die abstrakte Kunst sei nicht aus dem Inneren, aus der Seele hervor-  gegangen. Das Zentrum seiner künstlerischen überzeugung war aber gerade, daß die Formen  von dem Leben der Seele, von ihren Schwingungen gebildet werden müßten. Die Form gilt ihm  als sekundär, auf das Geistige kommt es an, das ihr Leben verleiht, wahrhafte Kunst muß aus  innerer Notwendigkeit entstehen. In dem „Rückblick“ gibt Kandinsky eine Darstellung seines  Lebenslaufes, seiner bildung als einem organischen Hervorgehen aus boden und Klima der  Familie, der Heimat, dem Volke und den Erlebnissen, welche seinem Gestaltungswillen Impulse  gegeben haben. Er spricht nicht davon, was er dem Geist der Zeit, was er etwa Vorgängern ver-  dankt. Nur was seine Seele bewegt hat, was in ihre Tiefe gedrungen ist, teilt er mit. Niemals wieder hat sich Kandinsky so persönlich ausgesprochen und sein Inneres soweit geöffnet.  Ohne den „Rückblick“ wüßten wir nichts von seiner Familie, seiner Kindheit und den begeg-, nungen, die für sein Leben entscheidend wurden. bis in zartestes Alter geht die Erinnerung  zurück und findet dort Zeugnisse einer ungewöhnlichen Sensibilität für die Farbe. Die Farben  sind ihm immer als lebendige Kräfte erschienen, als Wesen, von denen jedes einen eigentüm-  lichen charakter besitzt. Die Farben sprechen ihn an, bewegen sein Inneres, vermögen ihn bis  auf den Grund der Seele zu erschüttern. Die Farbigkeit russischer bauernstuben, die Glut der  Ikonenwände, in der sich die heiligen Gestalten auflösen, vor allem aber das vielstimmige, macht-  volle Orchester des geliebten und bewunderten farbigen Stadtbildes von Moskau in der Stunde  vor Sonnenuntergang versetzen sein Inneres in Ekstase. Den märchenhaften Zauber der Heimat  findet er wieder in München, in dem mittelalterlichen Rothenburg, in den barocken Dorfkapellen  um Murnau und Sindelsdorf. Er prägt immer neue Worte, um Wesen und Sprache der Farben  auszudrücken. Er hat ein gleiches inniges Verhältnis zu allen Malmitteln und sucht ihre Eigen-  art zu erfassen. Die Palette regt seine Phantasie mächtig an mit den gleichsam zufällig auf ihr  entstandenen Mischungen, in welchen sich das sublimste persönliche Farbempfinden unbewußt  äußert. Der Kunst brachte er von Jugend an hingebende bewunderung entgegen; er verehrte sie mit  religiöser Inbrunst. Das Wort „Komposition“ klang ihm wie ein Gebet. Alle Wege und Ereig-  nisse des Lebens führten ihn zur Kunst. Das Studium der Nationalökonomie, dem er sich zuerst  widmet, und die politische Tätigkeit sieht er rückblickend nicht als Umwege – jedes dient zur  Ausbildung und Verfeinerung seines Denkens und Empfindens. Die eigentlich künstlerischen Impulse gaben ihm die bilder Rembrandts in der Eremitage, in  denen er das Zeitmoment in der Malerei eingeführt sah – eine Aufgabe, die damals den analy-  tischen Kubismus und Futurismus beschäftigte. – Eine Lohengrinaufführung offenbarte ihm,  welche Macht der Kunst innewohnen kann. Monets „Heuhaufen“ enthüllte ihm, daß sich aus  der Palette die gleiche starke und ergreifende Kraft gewinnen läßt und regt ihn zum Nachdenken  über die bedeutung des Gegenstandes in der Malerei an. Alle Kunsterlebnisse weisen ihn zur  Abstraktion. Nur durch vergeistigte Reinheit der Elemente erhalten die Farben Klang, wird die  Komposition zur Musik und vermag die andere Seele zu erreichen und anzusprechen. Das Verhältnis von Natur und Kunst ist die bewegende Frage, mit deren Lösung sich der Sinn  seines Lebens erfüllt. Die akademische Ausbildung in München bei Azbé und Stuck wird ge-  hemmt, weil Kandinsky nicht einzusehen vermag, was das Studium des Aktes oder der Land-  schaft mit Kunst zu tun hat. Die Natur scheint ihm wie eine Mauer den Zugang zur Kunst ver-  schlossen  zu  halten.  Dabei  ist  Kandinsky  ausgesprochener  Eidetiker,  dem  überall  bilder  begegnen, die er in seine Vorstellung aufnimmt. Erst im Jahre 1913 wird ihm die Erkenntnis  zuteil, daß Natur und Kunst zwei autonome Reiche sind, deren jedes eigene Gesetzlichkeit besitzt.  Es überkommt ihn wie eine Erlösung: nun konnte er sich der Natur unvoreingenommen hin-  geben, brauchte sie nicht mehr mit der Kunst zu vergleichen, konnte ihre Klugheit, ihre Logik  und Harmonie bewundern. Kandinsky suchte dann alle Gebiete menschlicher Gestaltung zur Autonomie zu führen und mit  ihrer Eigenart ihr geistiges Wesen zum Sprechen zu bringen. Nicht Zertrümmerung des Kosmos  war das Ziel dieser Klärung, vielmehr wurde eine tiefer gegründete Einheit, eine neue geistige  Ordnung der Welt damit heraufgeführt. Von seinem neuen Standpunkt aus tritt Kandinsky die Verwandtschaft von Kunst und Religion  von künstlerischer und religiöser Wahrheit vor Augen. Die mystisch-apokalyptischen Visionen , der Franziskaner Spiritualen des 13. Jahrhunderts werden in ihm wach, die auch in der russischen  Kirche ihre Anhänger hatten. Entsprechend den drei göttlichen Personen ist das Alte Testament  das Zeitalter Gottvaters, das Neue Testament das Zeitalter des Gottsohnes, das dritte Zeitalter  der Menschheit ist das des Hl. Geistes, in welchem Freiheit des Geistes herrscht und die voll-  kommene  Geisteskirche  entsteht.  Die  abstrakte  Kunst  bedeutet  in  der  Tat  die  Abkehr  vom  Materialismus des 13. Jahrhunderts, den Anbruch des Geistigen, dessen Wehen Kandinsky in  anderen Künsten, in der Atomphysik und anderen Wissenschaften erkennt. Das bewußtsein an einer Zeitenwende zu stehen, eine neue Weltordnung mit heraufzuführen,  haben Kandinsky und Franz Marc mit der Romantik gemeinsam. Wie man auch zu den mystisch-  romantischen Gedankengängen steht, sie bezeugen, welcher Ernst und welches Verantwortungs-  bewußtsein  Kandinsky  beseelt.  Seinem  Wesen  ist  kunstvolles  Formenspiel  aus  subjektiver  Willkür völlig fremd, ebenso jede nihilistische Gesinnung, die im Futurismus zu finden war.  Kandinsky hat sich gelegentlich als Anarchist bezeichnet, worunter er aber die Freiheit vom  Zwange der Form verstand. Aus seinem „Rückblick“ erfahren wir, daß er seinen künstlerischen  Weg als großes Wagnis empfand und jeden Schritt zur Abstraktion auf seine innere Notwendig-  keit  prüfte.  Sein  Werk  bestätigt  die  Wahrheit  seiner  Selbstdarstellung:  Kandinsky  hat  die  abstrakte Malerei durchaus selbständig aus der Tiefe seiner Seele ans Licht gehoben. Seine ganze  Existenz hat er eingesetzt. Der Vergleich seiner Kunst mit dem Konstruktivismus, dem anderen  Zweig der abstrakten Malerei, bezeugt das Schöpfertum Kandinskys. In dem „Rückblick“ ergreift uns am stärksten die Vision, die ihn abschließt. Im Wesen und in  der Gestalt seiner Mutter sieht Kandinsky die menschliche Verkörperung der weißstirnigen, gold-  häuptigen Mutter Moskau – ihre Eigenschaften möchte er seinen Werken geben – Mutter und  Stadt sind ihm der Inbegriff seiner Kunst. Innige Liebe und Verehrung des Sohnes zur Mutter  wird eins mit der unendlichen Vaterlandsliebe des Russen. In diesem Gesicht offenbart sich das  Menschentum Kandinskys und die Ursprünglichkeit seiner Kunst! Ludwig Grote, 2. Murnau; 1908,

Rückblick 1901–1913

Die  ersten  Farben,  die  einen  starken  Eindruck auf  mich  gemacht  haben,  waren hell saftig grün, weiß, karminrot, schwarz und ockergelb. Diese Er-  innerungen gehen bis ins dritte Lebensjahr zurück. Diese Farben habe ich an  verschiedenen Gegenständen gesehen, die, nicht mehr so klar wie die Farben  selbst, heute vor meinen Augen stehen. Wie alle Kinder mochte ich leidenschaftlich gern „reiten“. Dazu schnitt unser  Kutscher für mich an dünnen Stöcken spiralartige Streifen ein und zog im  ersten Streifen die beiden Rinden des Astes ab – im zweiten nur die obere,  so daß meine Pferde gewöhnlich aus drei Farben bestanden: einer braun-  gelben der äußeren Rinde (die ich nicht mochte und die ich gern durch eine  andere ersetzt gesehen hätte), einer saftiggrünen der zweiten Schicht der  Rinde (die ich ganz besonders liebte und die auch in welkem Zustande noch  etwas bezauberndes hatte) und endlich aus der Farbe des elfenbeinweißen  Holzes (das feucht duftend und zum Lecken verlockend war, aber bald trau-  rig welk,  trocken  wurde,  was mir  die  Freude  an  diesem  Weiß  von vorn-  herein verdarb). Es scheint mir, daß meine Großeltern kurz vor der Abreise meiner Eltern  nach Italien (wohin auch ich als dreijähriges Kind mit meiner Wärterin mit-  genommen wurde) in eine neue Wohnung zogen. Ich habe den Eindruck, daß  diese Wohnung noch ganz leer war, d. h. daß weder Möbel noch Menschen  sich darin befanden. In einem nicht großen Zimmer hing ganz allein eine  Wanduhr. Ich stand ganz allein davor und genoß das Weiße des Zifferblat-  tes und das Karminrote der darauf gemalten Rose. Meine moskowitische Kinderfrau wunderte sich sehr, daß meine Eltern eine  so lange Reise machten, um „zerbrochene Gebäude und alte Steine“ zu be- , wundern: „Solche gibt es genug bei uns in Moskau.“ Von diesen sämtlichen  „Steinen“ in Rom habe ich nur einen unüberwindlichen Wald dicker Säulen  in Erinnerung, diesen schrecklichen Wald der Peterskirche, aus dem, wie es  mir scheint, meine Wärterin und ich lange,  lange keinen Ausweg finden  konnten. Und dann färbt sich ganz Italien in zwei schwarze Eindrücke. Ich fahre mit  meiner Mutter in einer schwarzen Kutsche über eine brücke (unten Wasser  – ich glaube, schmutzig gelbes): ich wurde in Florenz in einen Kindergarten  gebracht. Und noch einmal Schwarz – Stufen ins schwarze Wasser, darauf  ein schreckliches, schwarzes, langes boot mit einem schwarzen Kasten in der  Mitte: wir steigen nachts in eine Gondel. Ich entwickle auch hier meine be-  gabung, die mich „in ganz Italien“ berühmt machte, und heule aus Leibes-  kräften. Es war ein scheckiger Schimmel (mit Ockergelb im Körper und hellgelber  Mähne) in einem Pferderennspiel, den ich und meine Tante * ganz besonders  liebten. Hier wurde strenge Reihenfolge gewahrt: einmal durfte ich diesen  Schimmel unter meinen Jockeys haben, einmal die Tante. Die Liebe zu sol-  chen Pferden hat mich bis heute nicht verlassen. Es ist mir eine Freude, solch  einen Schimmel in den Straßen Münchens zu sehen: er kommt jeden Som-  mer zum Vorschein, wenn die Straßen gesprengt werden. Er weckt die in mir  lebende Sonne. Er ist unsterblich, da er in den fünfzehn Jahren, die ich ihn  kenne, gar nicht gealtert ist. Es war einer meiner ersten Eindrücke, als ich vor  dieser Zeit nach München übersiedelte – und der stärkste. Ich blieb stehen  und verfolgte  ihn  lange mit den Augen. Und ein halb unbewußtes, aber  sonniges Versprechen rührte sich im Herzen. Er machte den kleinen blei-  schimmel in mir lebendig und knüpfte München an meine Kinderjahre. Die-  ser scheckige Schimmel machte mich plötzlich in München heimisch. Als Kind  sprach ich sehr viel Deutsch (meine Großmutter mütterlicherseits war eine  baltin). Die deutschen Märchen, die ich als Kind so oft hörte, wurden leben-  dig. Die jetzt verschwundenen hohen, schmalen Dächer am Promenadeplatz  und am Maximiliansplatz, das alte Schwabing, und ganz besonders die Au,  die ich einmal zufällig entdeckte, verwandelten diese Märchen in Wirklich-  keit. Die blaue Trambahn zog durch die Straßen wie verkörperte Märchen- , luft, die das Atmen leicht und freudig machte. Die gelben briefkästen san-  gen von den Ecken ihr kanarienvogellautes Lied. Ich begrüßte die Aufschrift  „Kunstmühle“ und fühlte mich in einer Kunststadt, was für mich dasselbe  war wie Märchenstadt. Aus diesen Eindrücken stammen die mittelalterlichen  bilder, die ich später machte. Einem guten Rat folgend, besuchte ich Rothen-  burg ob der Tauber. Unvergeßlich bleibt mir das unendliche Umsteigen aus  dem Schnellzug in den Personenzug, aus dem Personenzug in die Lokalbahn  mit dem grasbewachsenen Geleise, dem dünnen Pfiff der langhalsigen Lo-  komotive, dem Klappern und Winseln der schläfrigen Räder und mit dem  alten bauern mit großen Silberknöpfen, der unbedingt mit mir über Paris  sprechen wollte und den ich sehr schlecht verstehen konnte. Es war eine un-  wirkliche Reise. Ich fühlte mich so, als ob eine Zauberkraft mich allen Natur-  gesetzen zuwider von Jahrhundert zu Jahrhundert immer tiefer in die Ver-  gangenheit versetzt hätte.  Ich verlasse den kleinen  (unwahrscheinlichen)  bahnhof und gehe über eine Wiese in das Tor hinein. Tore, Gräben, schmale  Häuser, die über die engen Gassen ihre Köpfe einander nähern und sich  vertieft in die Augen blicken, das Riesentor des Gasthauses, welches direkt  in den düsteren mächtigen Speisesaal führt, aus dessen Mitte eine schwere  breite,  düstere  Eichentreppe  zu  den  Zimmern  geht,  das  enge  Zimmer  und das Meer der grellroten Dächer, die ich aus dem Fenster sehe. Es war  die  ganze  Zeit  regnerisch.  Auf  meine  Palette  setzten  sich  hohe  runde  Regentropfen, reichten sich schalkhaft von weitem die Hände, wackelten  und zitterten, vereinigten sich unerwartet und plötzlich zu dünnen, listigen  Schnüren, die zwischen den Farben geschwind und gespaßig rannten, um  hier und da in meinen Ärmel zu schlüpfen. Ich weiß nicht, wohin diese Stu-  dien sich verkrochen haben, sie sind verschwunden. Nur ein bild blieb von  dieser Reise zurück. Das ist „die alte Stadt“, die ich aber erst nach meiner  Rückkehr nach München auswendig malte. Sie ist sonnig, und die Dächer  machte ich so grellrot, wie ich damals nur konnte. Auch in diesem bild habe ich eigentlich nach einer gewissen Stunde gejagt,  die  immer die schönste Stunde des Moskauer Tages war und bleibt. Die  Sonne ist schon niedrig und hat ihre vollste Kraft erreicht, nach der sie den  ganzen Tag suchte, zu der sie den ganzen Tag strebte. Nicht lange dauert , dieses bild: noch einige Minuten und das Sonnenlicht wird rötlich vor An-  strengung, immer rötlicher, erst kalt und dann immer wärmer. Die Sonne  schmelzt ganz Moskau zu einem Fleck zusammen, der wie eine tolle Tuba  das ganze Innere, die ganze Seele in Vibration versetzt. Nein, nicht diese  rote Einheitlichkeit ist die schönste Stunde! Das ist nur der Schlußakkord  der Symphonie, die jede Farbe zum höchsten Leben bringt, die ganz Moskau  wie das fff eines Riesenorchesters klingen läßt und zwingt. Rosa, lila, gelbe,  weiße, blaue, pistaziengrüne, flammenrote Häuser, Kirchen – jede ein selb-  ständiges Lied – der rasend grüne Rasen, die tiefer brummenden bäume,  oder der mit tausend Stimmen singende Schnee, oder das Allegretto der  kahlen Äste, der rote, steife, schweigsame Ring der Kremlmauer und dar-  über, alles überragend, wie ein Triumphgeschrei, wie ein sich vergessendes  Halleluja der weiße, lange, zierlich ernste Strich des Iwan Weliky-Glocken-  turmes. Und auf seinem hohen, gespannten, in ewiger Sehnsucht zum Him-  mel ausgestreckten Halse der goldene Kopf der Kuppel, die zwischen den  goldenen und bunten Sternen der andern Kuppeln die Moskauer Sonne ist.  Diese Stunde zu malen, dachte ich mir als das unmöglichste und höchste  Glück eines Künstlers. Diese  Eindrücke  wiederholten  sich  jeden  sonnigen  Tag.  Sie  waren  eine  Freude, die mich bis auf den Seelengrund erschütterte, die bis zur Ekstase  stieg. Und gleichzeitig waren sie auch eine Qual, da ich die Kunst im allge-  meinen und meine Kräfte ganz besonders der Natur gegenüber als viel zu  schwache Elemente empfand. Es mußten viele Jahre vergehen, bis ich durch  Fühlen und Denken zu der einfachen Lösung kam, daß die Ziele (also auch  die Mittel) der Natur und der Kunst wesentlich, organisch und weltgeschicht-  lich verschieden sind – und gleich groß, also auch gleich stark. Diese Lösung,  die heute mein Werk leitet, die so einfach und schön natürlich ist, vernich-  tete die unnütze Qual der unnützen Aufgabe, die ich mir innerlich trotz der  Unerreichbarkeit damals stellte, sie strich diese Qual und so stieg die Freude  an Natur und Kunst auf ungetrübte Höhen. Seitdem kann ich diese beiden  Weltelemente  in  vollen  Zügen  genießen.  Zum  Genuß  gesellt  sich  das  er-  schütternde Gefühl der Dankbarkeit. Diese Lösung befreite mich und öffnete mir neue Welten. Alles „Tote“ er- , 3. bild mit schwarzem bogen; Nr. 154, 1912, zitterte. Nicht nur die bedichteten Sterne, Mond, Wälder, blumen, sondern  auch ein im Aschenbecher liegender Stummel, ein auf der Straße aus der  Pfütze blickender, geduldiger weißer Hosenknopf, ein fügsames Stückchen  baumrinde, das eine Ameise im starken Gebiß zu unbestimmten und wich-  tigen Zwecken durch das hohe Gras zieht, ein Kalenderblatt, nach dem sich  die bewußte Hand ausstreckt, die es aus der warmen Geselligkeit mit den  noch im block bleibenden Mitblättern gewaltsam herausreißt – alles zeigte  mir sein Gesicht, sein innerstes Wesen, die geheime Seele, die öfter schweigt  als  spricht.  So  wurde  für  mich  jeder  ruhende  und  jeder  bewegte  Punkt  (= Linie) ebenso lebendig und offenbarte mir seine Seele. Das war für mich  genug, um mit meinem ganzen Wesen, mit meinen sämtlichen Sinnen die  Möglichkeit und das Dasein der Kunst zu „begreifen“, die heute im Gegen-  satz zur „Gegenständlichen“ die „Abstrakte“ genannt wird. Aber damals, zu meiner Studentenzeit, als ich nur die freien Stunden der  Malerei abgeben konnte, suchte ich trotz scheinbarer Unmöglichkeit, „den  Farbenchorus“ (wie ich es nannte), der sich mir aus der Natur erschütternd  in die ganze Seele hineinzwang, auf die Leinwand abzufangen. Ich machte  verzweifelte Versuche, die ganze Kraft dieses Klingens zum Ausdruck zu  bringen, und vergebens. Zu derselben Zeit wurde meine Seele auch durch andere, rein menschliche  Erschütterungen ununterbrochen im Vibrieren gehalten, so daß ich keine  ruhige Stunde kannte. Es war die Zeit der Schaffung einer allstudentischen  Organisation, die die Studentenschaft nicht nur einer Universität, sondern  der sämtlichen russischen und im Endziel auch der westeuropäischen Univer-  sitäten umfassen sollte. Der Kampf der Studenten gegen das listige und un-  verschleierte  Universitätsgesetz  von  1885  dauerte  immerfort.  „Unruhen“,  Vergewaltigungen der alten, moskowitischen freiheitlichen Traditionen, Ver-  nichtung schon geschaffener Organisationen durch die behörden, unsere  neuen Gründungen, das unterirdische Donnern der politischen bewegungen,  die  Entwicklung  der  Selbsttätigkeit *  der  Studentenschaft  brachten  fort-  während neue Erlebnisse mit sich und machten dadurch die Seelensaiten  empfindlich, empfänglich, besonders vibrationsfähig. Zu meinem Glück nahm mich die Politik nicht ganz gefangen. Die nötige , Vertiefungsgabe in das Feinmaterielle, genannt „das Abstrakte“, wurde in  mir durch verschiedene Studien geübt. Außer der von mir gewählten Spe-  zialität (Nationalökonomie, an der ich unter Leitung des hochbegabten Ge-  lehrten und eines der seltensten Menschen, die ich im Leben traf, Prof. A. J.  Tschuproff, arbeitete) wurde ich teils abwechselnd, teils gleichzeitig von ver-  schiedenen  anderen Wissenschaften  machtvoll  angezogen: das  römische  Recht (das mich durch die feine, bewußte, hochraffinierte „Konstruktion“  bezauberte, das mich, den Slawen, aber schließlich als eine viel zu kalte, viel  zu vernünftige, unbiegsame Logik nicht befriedigen konnte), das Kriminal-  recht (das mich besonders und vielleicht zu ausschließlich durch die damals  neue Theorie Lombrosos berührte), die Geschichte des russischen Rechtes  und das bauernrecht (das als Gegensatz zum römischen Recht mich als be-  freiung und glückliche Lösung des fundamentalen Gesetzes in große be-  wunderung  versetzte  und meine  tiefe Liebe gewann *), die diese Wissen-  schaft berührende Ethnographie (von der ich mir anfänglich die Seele des  Volkes versprach) nahmen mich in Anspruch und verhalfen mir zum ab-  strakten Denken. Alle diese Wissenschaften habe ich geliebt und denke noch heute mit Dank-  barkeit an die Stunden der begeisterung und vielleicht Inspirationen, die sie  mir schenkten. Nur verblaßten diese Stunden bei der ersten berührung mit  der Kunst, die allein die Macht hatte, mich außer Zeit und Raum zu ver-  setzen. Nie hatten mir die wissenschaftlichen Arbeiten solche Erlebnisse,  innere Spannungen, schöpferische Augenblicke geschenkt. Ich fand aber meine Kräfte zu schwach, um mich berechtigt zu fühlen, auf  die anderen Pflichten zu verzichten und, wie es mir damals schien, das un-  begrenzt glückliche Leben eines Künstlers zu führen. Außerdem war damals  das russische Leben ganz besonders düster, meine wissenschaftlichen Arbei-  ten wurden geschätzt, und ich entschloß mich, Wissenschaftler zu werden.  In der von mir gewählten Nationalökonomie liebte ich aber außer der Lohn-  frage nur das rein abstrakte Denken. Das bankwesen, die praktische Seite  des Geldwesens, war für mich unüberwindlich abstoßend. Es blieb mir aber  nichts übrig, als auch diese Teile mit in den Kauf zu nehmen. Zu derselben Zeit erlebte ich zwei Ereignisse, die einen Stempel auf mein , ganzes Leben drückten und mich damals bis in den Grund erschütterten. Das  war die französische impressionistische Ausstellung in Moskau – in erster  Linie „der Heuhaufen“ von claude Monet – und eine Wagneraufführung  im Hoftheater – Lohengrin. Vorher kannte ich nur die realistische Kunst, eigentlich ausschließlich die  Russen, blieb oft lange vor der Hand des Franz Liszt auf dem Porträt von  Repin stehen u. dgl. Und plötzlich zum erstenmal  sah  ich ein Bild. Daß  das ein Heuhaufen war, belehrte mich der Katalog. Erkennen konnte ich  ihn nicht. Dieses Nichterkennen war mir peinlich. Ich fand auch, daß der  Maler kein Recht hat, so undeutlich zu malen. Ich empfand dumpf, daß der  Gegenstand in diesem bild fehlt. Und merkte mit Erstaunen und Verwir-  rung, daß das bild nicht nur packt, sondern sich unverwischbar in das Ge-  dächtnis einprägt und immer ganz unerwartet bis zur letzten Einzelheit vor  den Augen schwebt. Das alles war mir unklar, und ich konnte die einfachen  Konsequenzen dieses Erlebnisses nicht ziehen. Was mir aber vollkommen  klar war – das war die ungeahnte, früher mir verborgene Kraft der Palette,  die über alle meine Träume hinausging. Die Malerei bekam eine märchen-  hafte Kraft und Pracht. Unbewußt war aber auch der Gegenstand als unver-  meidliches Element des bildes diskreditiert. Im ganzen hatte ich den Ein-  druck, daß ein kleines Teilchen meines Märchen-Moskau doch auf der Lein-  wand schon existierte. * Lohengrin schien mir aber eine vollkommene Verwirklichung dieses Moskau  zu sein. Die Geigen, die tiefen baßtöne und ganz besonders die blasinstru-  mente verkörperten damals für mich die ganze Kraft der Vorabendstunde.  Ich sah alle meine Farben im Geiste, sie standen vor meinen Augen. Wilde,  fast tolle Linien zeichneten sich vor mir. Ich traute mich nicht, den Ausdruck  zu gebrauchen, daß Wagner musikalisch „meine Stunde“ gemalt hatte. Ganz  klar wurde mir aber, daß die Kunst im allgemeinen viel machtvoller ist, als  sie mir vorkam, daß andererseits die Malerei ebensolche Kräfte, wie die  Musik besitzt, entwickeln könne. Und die Unmöglichkeit, selbst diese Kräfte  zu entdecken, jedenfalls zu suchen, verbitterte noch mehr meine Entsagung.  Ich war aber nie stark genug, um meinen Pflichten allem zum Trotz zu folgen  und unterlag der für mich zu starken Versuchung., Ein wissenschaftliches Ereignis räumte eins der wichtigsten Hindernisse auf  diesem Wege. Das war die weitere Teilung des Atoms. Das Zerfallen des  Atoms war in meiner Seele dem Zerfall der ganzen Welt gleich. Plötzlich  fielen die dicksten Mauern. Alles wurde unsicher, wackelig und weich. Ich  hätte mich nicht gewundert, wenn ein Stein vor mir in der Luft geschmolzen  und unsichtbar geworden wäre. Die Wissenschaft schien mir vernichtet: ihre  wichtigste basis war nur ein Wahn, ein Fehler der Gelehrten, die nicht im  verklärten Licht mit ruhiger Hand ihr göttliches Gebäude Stein für Stein  bauten, sondern in Dunkelheit aufs Geratewohl nach Wahrheiten tasteten  und blind einen Gegenstand für einen anderen hielten. Schon als Kind kannte ich die quälend freudigen Stunden der inneren Span-  nung, die eine Verkörperung verspricht. Diese Stunden des inneren bebens,  der unklaren Sehnsucht, die etwas Unverständliches von einem verlangt,  die tags das Herz drückt, die Seele mit Unruhe füllt, und nachts phantastische  Träume voll Schrecken und Freude durchleben läßt. Ich versuchte, wie viele  Kinder und Jünglinge, Gedichte zu schreiben, die ich früher oder später zer-  riß. Ich kann mich erinnern, daß das Zeichnen diesen Zustand löschte, d. h.  daß es mich außer Zeit und Raum leben ließ, so daß ich auch mich selbst nicht  mehr fühlte. Mein Vater * bemerkte früh meine Liebe zum Zeichnen und  ließ mich schon als Gymnasiasten Zeichenstunden nehmen. Ich erinnere  mich, wie ich das Material selbst liebte, wie die Farben und bleistifte für  mich besonders anziehend, schön und lebendig waren. Aus den Fehlern, die  ich machte, zog ich Lehren, die noch fast alle bis jetzt mit der ursprünglichen  Kraft in mir wirken. Als ganz kleines Kind tuschte ich einen scheckigen  Schimmel mit Wasserfarben an; alles war  fertig bis auf die Hufe. Meine  Tante, die mir beim Malen half, mußte ausgehen und empfahl mir, mit den  Hufen auf ihr Zurückkommen zu warten. Ich blieb allein vor dem unferti-  gen bild und quälte mich vor der Unmöglichkeit, die letzten Farbenflecke auf  das Papier zu bringen. Diese letzte Arbeit schien mir so leicht zu sein. Ich  dachte, wenn ich die Hufe recht schwarz mache, so sind sie doch sicher voll-  kommen naturgetreu. Ich nahm so viel Schwarz auf den Pinsel, wie ich nur  konnte.  Ein  Augenblick  –  und  ich  sah  vier  schwarze,  dem  Papier  ganz  fremde, ekelhafte, häßliche Flecke an den Füßen des Schimmels. Ich fühlte , 4. Roter Fleck; Nr. 2; Nr. 234, 1921, mich verzweifelt und grausam bestraft! Später verstand ich gut die Angst  der Impressionisten vor Schwarz und noch später kostete es mich eine or-  dentliche Seelenangst, reines Schwarz auf die Leinwand zu bringen. Solch  ein Unglück des Kindes wirft einen langen, langen Schatten durch viele Jahre  des weiteren Lebens. Die weiteren ganz besonders starken Eindrücke, die ich in den Studenten-  jahren erlebt habe und die wieder auf viele Jahre bestimmend gewirkt ha-  ben, waren Rembrandt in der St. Petersburger Eremitage und die Reise in  das Gouvernement Wologda, wohin ich als Ethnograph und Jurist von der  K. Gesellschaft für Naturwissenschaften, Anthropologie und Ethnographie  geschickt wurde. Meine Aufgabe war eine doppelte: bei der russischen be-  völkerung das bauernkriminalrecht zu studieren (die Prinzipien des primi-  tiven Rechts herauszufinden) und bei dem Fischer- und Jägerstamm der lang-  sam  verschwindenden  Syrienen  die  Reste  ihrer  heidnischen  Religion  zu  sammeln. Rembrandt hat mich tief erschüttert. Die große Teilung des Hell-Dunkel,  die Verschmelzung der Sekundärtöne in die großen Teile, das Zusammen-  schmelzen dieser Töne in diese Teile, die als ein Riesendoppelklang auf jede  Entfernung wirkten und mich sofort an die Trompeten Wagners erinnerten,  offenbarte mir ganz neue Möglichkeiten, übermenschliche Kräfte der Farbe  an sich und ganz besonders die Steigerung der Kraft durch Zusammenstel-  lungen, d. h. Gegensätze. Ich sah, daß jede große Fläche an sich nichts Mär-  chenhaftes enthielt, daß jede dieser Flächen ihre Abstammung von der Pa-  lette sofort bloßlegte, daß aber diese Fläche durch die ihr entgegengesetzte  andere Fläche tatsächlich eine märchenhafte Kraft gewann, so daß ihre Ab-  stammung von der Palette auf den ersten Eindruck unglaubwürdig erschien.  Es lag aber nicht in meiner Natur, ein gesehenes Mittel ohne weiteres anzu-  wenden. Ich stellte mich unbewußt zu den fremden bildern so, wie ich mich  jetzt zur „Natur“ stelle, ich begrüßte sie mit Ehrfurcht und tiefer Freude,  fühlte aber, daß dies doch eine mir fremde Kraft war. Ich fühlte andererseits  ziemlich unbewußt, daß diese große Teilung bei Rembrandt seinen bildern  eine Eigenschaft gibt, die ich bis dahin nie gesehen hatte. Ich empfand, daß  seine bilder „lange dauern“, und erklärte es mir dadurch, daß ich erst einen , Teil dauernd erschöpfen mußte und dann den anderen. Später verstand ich,  daß diese Teilung ein der Malerei erst fremd und nicht zugänglich erschei-  nendes Element auf die Leinwand hinzaubert – die Zeit. * Meine vor zehn bis zwölf Jahren in München gemalten bilder sollten diese  Eigenschaft bekommen. Ich habe bloß drei oder vier solcher bilder gemalt,  wobei ich in jeden Teil eine „unendliche“ Reihe erst verborgener Farbentöne  hineinstecken wollte. Sie mußten erst ganz versteckt *, besonders im dunk-  len Teil, sitzen und nur mit der Zeit dem vertieften aufmerksamen beschauer  erst unklar und gleichsam prüfend sich zeigen und dann immer mehr und  mehr,  mit  wachsender,  „unheimlicher“  Kraft  herausklingen.  Zu  meinem  großen Erstaunen merkte ich, daß ich im Rembrandt-Prinzip arbeite. Das  war eine Stunde der bitteren Enttäuschung und des kneifenden Zweifels an  eigenen Kräften, des Zweifels an der Möglichkeit, eigene Ausdrucksmittel zu  finden. Es schien mir auch bald „zu billig“, meine damals liebsten Elemente  auf diese Weise zu verkörpern – das Versteckte, die Zeit und das Unheim-  liche. Ich habe zu der Zeit  ganz besonders viel  gearbeitet,  oft bis  in die Nacht  hinein, wo ich durch völlige Ermattung in der Arbeit unterbrochen wurde  und schnell zu bett gehen mußte. Tage, die ich nicht gearbeitet hatte (so sel-  ten sie waren!), hielt ich für verloren und quälte mich deshalb. bei einiger-  maßen anständigem Wetter malte  ich  jeden Tag eine oder  zwei Studien,  hauptsächlich im alten Schwabing, das sich damals langsam zu einem Stadt-  teil Münchens ausbildete. Zu der Zeit der Enttäuschung in der Atelierarbeit  und der auswendig gemalten bilder malte ich besonders viel Landschaften,  die mich aber wenig befriedigten, so daß ich nur ganz wenige davon später  zu bildern verarbeitete. Das Wandern mit dem Malkasten mit dem Gefühl  eines Jägers im Herzen empfand ich nicht als so verantwortlich, wie das  Malen von bildern, in denen ich schon damals halb bewußt, halb unbewußt  das Kompositionelle suchte. bei dem Wort Komposition wurde ich innerlich  erschüttert und stellte später zu meinem Lebensziel, eine „Komposition“ zu  malen. Dieses Wort selbst wirkte auf mich wie ein Gebet. Es erfüllte mich  mit Ehrfurcht. Im Studienmalen ließ ich mich gehen. Ich dachte wenig an  Häuser und bäume, strich mit dem Spachtel farbige Streifen und Flecken , auf die Leinwand und ließ sie so stark singen, wie ich nur konnte. In mir  klang die Moskauer Vorabendstunde, vor meinen Augen war die kräftige,  farbensatte, in den Schatten tief donnernde Skala der Münchner Lichtatmo-  sphäre. Nachher, besonders zu Hause, immer eine tiefe Enttäuschung. Meine  Farben schienen mir schwach, flach, die ganze Studie – eine erfolglose An-  strengung, die Kraft der Natur zu fangen. Wie sonderbar war es mir, zu  hören, daß ich die Farben der Natur übertreibe, daß diese übertreibung  meine bilder unverständlich macht und daß die einzige Rettung für mich  „Farben brechen“ zu  lernen wäre. Die Münchner Kritik (die teilweise, be-  sonders im Anfang, sich sehr günstig zu mir stellte *) wollte meine „Farben-  pracht“ durch byzantinische Einflüsse erklären. Die russische Kritik (die bei-  nahe  ohne  Ausnahme  mich  mit  unparlamentarischen  Ausdrücken  be-  schimpfte)  fand,  daß  ich  unter  dem  Einflusse  der  Münchner  Kunst  ver-  komme. Damals habe ich zum erstenmal gesehen, wie verkehrt, unwissend  und ungeniert die meisten Kritiker vorgehen. Das erklärt auch die Kaltblü-  tigkeit, mit der die gescheiten Künstler die bösesten Artikel über sich auf-  nehmen. Die Neigung zum „Versteckten“,  zum Verborgenen,  rettete mich vor der  schädlichen Seite der Volkskunst, die ich auf meiner Reise in das Gouver-  nement Wologda auf ihrem richtigen boden und in ihrer urwüchsigen Form  zum erstenmal sah. Ich fuhr erst mit der bahn in dem Gefühl, daß ich auf  einen anderen Planeten reise, dann einige Tage mit dem Dampfer auf dem  ruhigen und in sich vertieften Fluß Suchona, später im primitiven Wagen  durch unendliche Wälder, zwischen bunten Hügeln, über Moraste und durch  Sandwüsten. Ich fuhr ganz allein, was der Vertiefung in die Umgebung und  in mich selbst unermeßlich günstig war. Tagsüber war es oft brennend heiß,  nachts frostig, und ich erinnere mich mit Dankbarkeit an meine Kutscher,  die mich oft wärmer in meine Reisedecke hüllten, die vom Springen und  Schütteln des federlosen Wagens von mir herunterrutschte. Ich kam in Dör-  fer, wo plötzlich die ganze bevölkerung von oben bis unten grau gekleidet  war und gelblichgrüne Gesichter und Haare hatte, oder plötzlich eine bunt-  heit  der  Trachten  zeigte,  die  wie  bunte  lebende  bilder  auf  zwei  beinen  herumliefen. Die großen, mit Schnitzereien bedeckten Holzhäuser werde ich , nie vergessen. In diesen Wunderhäusern habe ich eine Sache erlebt, die sich  seitdem nicht wiederholt hat. Sie lehrten mich, im bilde mich zu bewegen, im  bilde zu leben. Ich weiß noch, wie ich zum erstenmal in die Stube trat und  vor dem unerwarteten bilde an der Stelle stehenblieb. Der Tisch, die bänke,  der im russischen bauernhause wichtige große Ofen, die Schränke und jeder  Gegenstand waren mit bunten, großzügigen Ornamenten bemalt. Auf den  Wänden Volksbilder: ein Held in symbolischer Darstellung, eine Schlacht,  ein gemaltes Volkslied. Die „rote“ Ecke („rot“ ist altrussisch gleich „schön“)  dicht und ganz mit gemalten und gedruckten Heiligenbildern bedeckt, davor  eine kleine rotbrennende Hängelampe, die wie ein wissender, diskret-leise  sprechender, bescheidener für und in sich lebender und stolzer Stern glühte  und blühte. Als ich endlich ins Zimmer trat, fühlte ich mich von allen Seiten  umgeben von der Malerei,  in die  ich also hineingegangen war. Dasselbe  Gefühl schlummerte bis dahin ganz unbewußt in mir, wenn ich in den Mos-  kowischen Kirchen war und besonders im Hauptdom des Kreml. bei dem  nächsten besuch dieser Kirchen nach meiner Rückkehr von dieser Reise  wurde dasselbe Gefühl in mir vollkommen klar lebendig. Später hatte ich  oft dasselbe Erlebnis in den bayrischen und Tiroler Kapellen. Natürlich war  jedesmal der Eindruck ganz anders gefärbt, da ganz andere bestandteile die-  sen Eindruck bildeten: Kirche! Russische Kirche! Kapelle! Katholische Ka-  pelle! Ich habe viel skizziert – diese Tische und verschiedene Ornamente. Sie wa-  ren nie kleinlich und so stark gemalt, daß der Gegenstand sich in ihnen auf- löste. Auch dieser Eindruck kam mir erst viel später zum bewußtsein. Wahrscheinlich nicht anders als durch diese Eindrücke verkörperten sich in  mir die weiteren Wünsche, Ziele meiner eigenen Kunst. Ich habe viele Jahre  die Möglichkeit gesucht, den beschauer im bilde „spazieren“ zu lassen, ihn  zu der selbstvergessenen Auflösung im bilde zu zwingen. Manchmal gelang es mir auch: ich habe es den beschauern angesehen. Aus  der unbewußt beabsichtigten Wirkung der Malerei auf den bemalten Gegen-  stand, der sich durch die bemalung auflösen kann, bildete sich meine Fähig-  keit, den Gegenstand auch im bilde zu übersehen, weiter aus. Viel später,  schon in München, wurde ich einmal durch einen unerwarteten Anblick in , 5. Durchgehender Strich; Nr. 255, 1923, meinem Atelier bezaubert. Es war die Stunde der einziehenden Dämmerung.  Ich kam mit meinem Malkasten nach einer Studie heim, noch verträumt und  in die erledigte Arbeit vertieft, als ich plötzlich ein unbeschreiblich schönes,  von einem inneren Glühen durchtränktes bild sah: Ich stutzte erst, dann ging  ich schnell auf dieses rätselhafte bild zu, auf dem ich nichts als Formen und  Farben  sah  und  das  inhaltlich  unverständlich  war.  Ich  fand  sofort  den  Schlüssel zu dem Rätsel: es war ein von mir gemaltes bild, das an die Wand  angelehnt auf der Seite stand. Ich versuchte den nächsten Tag bei Tageslicht  den gestrigen Eindruck von diesem bild zu bekommen. Es gelang mir aber  nur halb: auch auf der Seite erkannte ich fortwährend die Gegenstände, und  die  feine  Lasur  der  Dämmerung  fehlte.  Ich  wußte  jetzt  genau,  daß  der  Gegenstand meinen bildern schadet. Eine erschreckende Tiefe, eine verantwortungsvolle Fülle von allerhand Fra-  gen stellten sich vor mich. Und die wichtigste: was soll den fehlenden Gegen-  stand ersetzen? Die Gefahr einer Ornamentik stand klar vor mir, die tote  Scheinexistenz  der  stilisierten  Formen  konnte  mich  nur  abschrecken.  Erst nach vielen Jahren geduldiger Arbeit, angestrengten Denkens, zahlrei-  cher vorsichtiger Versuche, sich immer entwickelnder Fähigkeit, die maleri-  sehen Formen rein, abstrakt zu erleben, immer tiefer in diese unermeßlichen  Tiefen sich zu vertiefen, kam ich zu den malerischen Formen, mit denen ich  heute arbeite (an denen ich heute arbeite), und die, wie ich hoffe und will,  sich viel weiter entwickeln werden. Es hat sehr lange gedauert, bis diese Frage, „Was soll den Gegenstand er-  setzen?“, in mir zu einer richtigen Antwort kam. Oft schaue ich in meine  Vergangenheit zurück und bin verzweifelt, wie viel Zeit ich an dieser Lösung  verbraucht habe. Ich habe nur einen Trost: nie konnte ich es über mich brin-  gen, eine Form zu gebrauchen, die auf logischem Wege – nicht rein gefühls-  mäßig in mir entstand. Ich konnte keine Formen ersinnen, und es widert  mich an, wenn ich solche Formen sehe. Alle Formen, die ich je brauchte,  kamen „von selbst“, sie stellten sich fertig vor meine Augen und es blieb mir  nur, sie zu kopieren, oder sie bildeten sich schon während der Arbeit, oft  für mich selbst überraschend. Mit den Jahren habe ich nun gelernt, diese  bildungskraft etwas zu beherrschen. Ich habe mich trainiert, mich nicht ein- , fach gehen zu lassen, sondern die in mir arbeitende Kraft zu zügeln, sie zu  leiten. Mit den Jahren habe ich verstanden, daß das Arbeiten mit starkem  Herzklopfen, mit gepreßter brust (und deshalb später schmerzenden Rip-  pen) und mit Spannung im ganzen Körper nicht genügend sein kann. Sie  kann eben nur den Künstler erschöpfen, aber nicht seine Aufgabe. Das Pferd  trägt den Reiter mit Kraft und Schnelligkeit. Der Reiter führt aber das Pferd.  Das Talent bringt den Künstler auf große Höhen mit Kraft und Schnellig-  keit. Der Künstler lenkt aber sein Talent. Das ist das Element des „bewuß-  ten“, des „Rechnens“ in der Arbeit, oder wie man es sonst nennen will. Der  Künstler muß seine begabung durch und durch kennen und wie ein kluger  Geschäftsmann kein Teilchen ungebraucht und vergessen liegenlassen, son-  dern ausnützen, ausbilden muß er jedes Teilchen bis zur letzten Möglichkeit,  die es für ihn gibt. Diese Ausbildung, Verfeinerung der begabung verlangt eine große Konzen-  trationsfähigkeit, die andererseits zum Abnehmen der anderen Fähigkeiten  führt. Dies habe ich deutlich an mir gesehen. Ich besaß nie ein sogenanntes  gutes Gedächtnis: besonders war ich von jeher unfähig, Zahlen, Namen, so-  gar Gedichte auswendig zu lernen. Das Einmaleins bot mir immer unüber-  windliche Schwierigkeiten, die ich bis jetzt nicht beseitigt habe und die mei-  nen Lehrer in Verzweiflung brachten. Ich mußte von vornherein das Augen-  gedächtnis zu Hilfe nehmen, dann ging es. bei dem Staatsexamen in Statistik  habe ich eine ganze Seite Zahlen genannt, nur weil ich in der Aufregung  diese Seite in mir sah. So konnte ich schon als Knabe bilder, die mich in Aus-  stellungen besonders fesselten, zu Hause auswendig malen, soweit meine  technischen Kenntnisse es erlaubten. Später malte ich manchmal eine Land-  schaft „nach der Erinnerung“ besser, als nach der Natur. So habe ich „Die  alte Stadt“ gemalt und später viele holländische, arabische farbige Zeichnun-  gen gemacht. So konnte ich in einer großen Straße die sämtlichen Geschäfte  auswendig ohne Fehler aufzählen, da ich sie vor mir sah. Ganz unbewußt  nahm ich fortwährend Eindrücke in mich auf, und manchmal so intensiv und  so unaufhörlich,  daß  ich  fühlte, wie meine brust gepreßt und der Atem  schwer wurde. Ich wurde dermaßen übermüdet, überfüttert, daß ich oft mit  Neid an beamte dachte, die nach  ihrer Arbeitszeit  sich vollkommen aus- , spannen dürfen und können. Ich sehnte mich nach stumpfsinniger Ruhe,  nach Augen, die böcklin Packträgeraugen nannte. Ich mußte aber ununter-  brochen sehen. Vor einigen Jahren bemerkte ich einmal ganz plötzlich, daß diese Fähigkeit  abgenommen hat. Ich war erst sehr erschrocken, verstand aber später, daß  die Kräfte, die das ständige beobachten ermöglichten, durch meine besser  ausgebildete Konzentrationsfähigkeit auf einen anderen Weg geleitet wur-  den und andere, mir jetzt viel nötigere Dinge leisten. Meine Fähigkeit, mich  in das innere Leben der Kunst (und also auch meiner Seele) zu vertiefen, stieg  so stark, daß ich deshalb oft an äußeren Erscheinungen vorbeiging, ohne sie  zu bemerken, was früher nicht vorkommen konnte. Diese Fähigkeit habe ich mir, soviel ich verstehe, nicht mechanisch aufge-  zwungen – sie lebte in mir stets organisch, aber in embryonaler Form. Für langsam zusammengespartes Geld habe ich mir als dreizehn- bis vier-  zehnjähriger Junge einen Malkasten mit Ölfarben gekauft. Die damalige  Empfindung – besser gesagt: das Erlebnis der aus der Tube kommenden  Farbe habe ich heute noch. Ein Druck der Finger und jauchzend, feierlich,  nachdenklich, träumerisch, in sich vertieft, mit tiefem Ernst, mit sprudelnder  Schalkhaftigkeit, mit dem Seufzer der befreiung, mit dem tiefen Klang der  Trauer, mit trotziger Kraft und Widerstand, mit nachgebender Weichheit  und Hingebung, mit hartnäckiger Selbstbeherrschung, mit empfindlicher  Unbeständigkeit  des  Gleichgewichtes  kam  eins  nach  dem  andern  dieser  sonderbaren Wesen, die man Farbe nennt – an und für sich lebendig, selb-  ständig zum weiteren selbständigen Leben mit allen nötigen Eigenschaften  begabt und jeden Augenblick bereit, sich neuen Kombinationen bereitwillig  zu beugen, sich untereinander zu mischen und unendliche Reihen von neuen  Welten zu schaffen. Manche liegen da als schon ermattete, schwach gewor-  dene, verhärtete, als tote Kräfte und lebende Erinnerungen an die vergange-  nen, nicht vom Schicksal gewollten Möglichkeiten. Wie im Kampf, wie in  einer Schlacht kommen aus der Tube  frische, die alten ersetzende  junge  Kräfte. In der Mitte der Palette ist eine sonderbare Welt der Reste der schon  gebrauchten Farben, die weit von dieser Quelle in nötigen Verkörperungen  auf Leinwänden wandern. Hier ist eine Welt, die aus dem Willen zu den , schon gemalten bildern entstanden, auch durch Zufälligkeiten, durch das  rätselhafte Spiel der dem Künstler fremden Kräfte bestimmt und geschaffen  wurde. Und diesen Zufälligkeiten habe ich viel zu verdanken: sie haben mich  mehr als irgendein Lehrer oder Meister gelehrt. Mit Liebe und bewunderung  studierte ich sie in nicht seltenen Stunden. Die Palette, die aus den genann-  ten Elementen besteht, die selbst ein „Werk“ und oft schöner als irgendein  Werk ist, soll für die Freuden, die sie bietet, gepriesen sein. Es schien mir  manchmal, daß der Pinsel, der mit unbeugsamem Willen Stücke von diesem  lebenden Farbenwesen riß, bei diesem Reißen einen musikalischen Klang  hervorrief. Ich hörte manchmal ein Zischen der sich mischenden Farben. Es  war wie ein Erlebnis, das man in der geheimen Küche des geheimnisum-  hüllten Alchimisten hören könnte. Wie oft und boshaft mich dieser erste Malkasten foppte und auslachte. bald  floß die Farbe von der Leinwand herunter, bald gab sie in kurzer Zeit Risse,  bald wurde sie heller, bald dunkler, bald sprang sie scheinbar von der Lein-  wand herunter und schwamm in der Luft, bald wurde sie trübe und immer  trüber und glich einem toten Vogel, der sich der Verwesung nähert – ich  weiß nicht, wie das alles kam. Später hörte ich, daß ein sehr bekannter Künstler (ich weiß nicht mehr, wer  es war) sagte: „beim Malen ein blick auf die Leinwand, ein halber auf die  Palette, zehn blicke auf das Modell.“ Es klang sehr schön, ich fand aber doch  bald, daß es für mich umgekehrt sein muß: Zehn blicke auf die Leinwand,  einer auf die Palette, ein halber auf die Natur. So habe ich gelernt, mit der  Leinwand zu kämpfen, sie als ein meinem Wunsch (= Traum) widerspen-  stiges Wesen kennenzulernen und sie gewalttätig diesem Wunsch zu beugen.  Erst steht sie wie eine reine, keusche Jungfrau mit klarem blick und mit himm-  lischer Freude da – diese reine Leinwand, die selbst so schön wie ein bild ist.  Und dann kommt der wünschende Pinsel, der sie bald hier, bald da allmäh-  lich, mit der ganzen,  ihm eigenen Energie  erobert,  wie ein europäischer  Kolonist, der in die wilde Jungfer Natur, die noch keiner berührte, mit Axt,  Spaten, Hammer, Säge eindringt, um sie seinem Wunsch entsprechend zu  biegen. Ich habe es allmählich gelernt, den widerspenstigen weißen Ton der  Leinwand nicht zu sehen, ihn nur für Augenblicke (als Kontrolle) zu bemer- , 6. bewegung; Nr. 618, 1935, ken, statt in ihm die Töne zu sehen, die ihn erst ersetzen müssen – so kam  das eine langsam nach dem andern. Das Malen ist ein donnernder Zusammenstoß verschiedener Welten, die in  und aus dem Kampfe miteinander die neue Welt zu scharfen bestimmt sind,  die das Werk heißt. Jedes Werk entsteht technisch so, wie der Kosmos ent-  stand – durch Katastrophen, die aus dem chaotischen Gebrüll der Instru-  mente zum Schluß eine Symphonie bilden, die Sphärenmusik heißt. Werk-  schöpfung ist Weltschöpfung. So wurden diese Empfindungen von Farben auf der Palette (und auch in den  Tuben, die seelisch machtvollen aber bescheiden aussehenden Menschen glei-  chen, welche plötzlich im Notfalle ihre bis dahin verborgenen Kräfte entblö-  ßen und aktiv machen) zu seelischen Erlebnissen. Diese Erlebnisse wurden  weiter zum Ausgangspunkt der Ideen, die sich vor zehn bis zwölf Jahren  schon bewußt zu sammeln anfingen und die zum buch „über das Geistige  in der Kunst“ führten. Dieses buch hat sich mehr von selbst geschrieben, als  ich es geschrieben hätte. Ich schrieb einzelne Erlebnisse nieder, die, wie ich  später bemerkte, in einem organischen Zusammenhang miteinander standen.  Ich fühlte immer mehr und deutlicher, daß es in der Kunst nicht auf das „For-  melle“ ankommt, sondern auf einen inneren Wunsch (= Inhalt), der das  Formelle gebieterisch bestimmt. Ein Schritt vorwärts hierin – für den ich  aber  beschämend  lange  Zeit  gebraucht  habe  –  war,  die  Kunstfrage  aus-  schließlich auf der basis der inneren Notwendigkeit zu lösen, welche die  sämtlichen bekannten Regeln und Grenzen in jedem Augenblick umzuwer-  fen imstande war. So trennte sich für mich das Reich der Kunst vom Reiche der Natur immer  mehr, bis ich beide als selbständige Reiche vollkommen durchfühlen konnte.  Dies geschah in ganzer Fülle erst in diesem Jahr. Hier treffe ich einen berührungspunkt mit einer Erinnerung, die seinerzeit  eine Quelle der Qualen für mich war. Als ich von Moskau mit dem Gefühl  einer Wiedergeburt nach München kam, die Zwangsarbeit hinter mir, die  Lustarbeit vor mir, stieß ich sehr bald auf eine begrenzung meiner befreiung,  die mich wenigstens zeitweise und, wenn auch in einer neuen Form, aber doch  zum Sklaven machte – Arbeit nach Modell., Ich sah die damals sehr berühmte Schule von Anton Azbe *) dicht besetzt.  Zwei bis drei Modelle „saßen Kopf“ oder „standen Akt“. Schüler der beiden  Geschlechter und aus verschiedenen Nationen drängten sich um diese übel-  riechenden, teilnahmslosen, ausdruckslosen, meistenteils charakterlosen, 50  bis 70 Pfennig pro Stunde bezahlten Naturerscheinungen, bestrichen vorsich-  tig mit leisem, zischendem Geräusch das Papier und die Leinwand und such-  ten diese, sie nichts angehenden Menschen genau anatomisch, konstruktiv  und charakteristisch wiederzugeben. Sie suchten durch überschneidungen  der Linien den Zusammenhang der Muskeln zu markieren, durch eine be-  sondere Flächen- oder Strichbehandlung die Modellierung des Nasenflügels,  der Lippe zu zeigen, den ganzen Kopf im „Prinzip der Kugel“ zu bauen und  dachten, wie es mir schien, keinen Augenblick an die Kunst. Das Linienspiel  des Aktes interessierte mich manchmal sehr. Manchmal war es mir aber wi-  derwärtig. bei manchen Stellungen gewisser Körper empfand ich eine ab-  stoßende Linienwirkung und mußte mich energisch zwingen, sie wiederzu-  geben. Ich war beinahe in ständigem Kampf mit mir. Nur draußen in der  Straße  konnte  ich  wieder  frei  aufatmen,  unterlag  nicht  selten  der  Versu-  chung, die Schule zu „schwänzen“ und mit dem Malkasten das Schwabing,  den Englischen Garten oder die Isaranlagen auf meine Art abzufangen. Oder  ich blieb zu Hause und versuchte auswendig, nach Studie oder phantasierend  ein bild zu machen, das mit den Naturgesetzen nicht allzuviel zu tun hatte.  Ich wurde deshalb von Kollegen für faul und oft für wenig begabt gehalten,  was mich manchmal sehr kränkte, da ich die Liebe zur Arbeit, den Fleiß und  die begabung ganz deutlich in mir fühlte. Ich habe mich schließlich auch in  dieser Umgebung isoliert, fremd gefühlt und ging mit desto größerer Inten-  sität in meinen Wünschen auf. Doch hielt ich mich für verpflichtet, den Anatomiekursus mitzumachen, was  ich gewissenhaft und sogar zweimal tat. Das zweite Mal hörte ich den tem-  peramentvollen und lebenzitternden Kursus von Prof. Dr. Moillet. Ich zeich-  nete die Präparate, notierte die Vorlesungen, roch die Leichenluft. Es war mir  aber unbewußt sonderbar zumute, als ich von der direkten beziehung der  Anatomie zur Kunst hörte. Es beleidigte mich sogar – ebenso, wie mich ein-  mal eine belehrung beleidigte, daß der baumstamm „immer mit dem boden , verbunden dargestellt werden muß“. Es war niemand da, der mir über diese  Gefühle, über die Verwicklung in dieser Finsternis hinweghelfen konnte.  Es ist wahr, daß ich mich auch nie mit meinen Zweifeln an jemand wandte.  Ich finde auch noch heute, daß solche Zweifel einsam in der Seele gelöst  werden müssen und daß man widrigenfalls die kräftige eigene Lösung ent-  weihen würde. Ich fand aber damals bald, daß jeder Kopf, wenn er im Anfang auch sehr  „häßlich“ erscheint, eine vollendete Schönheit ist. Das Naturgesetz der Kon-  struktion, das sich in jedem Kopf so restlos und einwandfrei offenbarte, gab  dem Kopf diesen Anstrich der Schönheit. Ich stand oft vor einem „häßlichen“  Modell und sagte zu mir: „Wie klug.“ Es ist auch eine unendliche Klugheit,  die sich in jeder Einzelheit zeigt: ein jedes Nasenloch z. b. erweckt in mir im-  mer dasselbe Gefühl der bewunderung, ebenso wie der Flug einer wilden  Ente, der Zusammenhang des blattes mit dem Ast, das Schwimmen des Fro-  sches – der Schnabel bei dem Pelikan usw. usw. Dieses Gefühl der bewun-  derung der Schönheit, der Klugheit bekam ich sofort auch bei den Vorlesun-  gen von Prof. Moillet. Ich fühlte dumpf, daß ich Geheimnisse eines Reiches für sich empfinde. Ich  konnte aber dieses Reich mit dem Reich der Kunst nicht in Zusammenhang  bringen. Ich besuchte die alte Pinakothek und bemerkte, daß kein einziger  der großen Meister die erschöpfende Schönheit und Klugheit der natürlichen  Modellierung erreicht hat: die Natur selbst blieb unberührt. Es schien mir  manchmal, daß sie über diese bestrebungen lacht. Viel öfter aber kam sie mir  im abstrakten Sinn „göttlich“ vor: sie schuf ihre Sache, sie ging ihre Wege  zu ihren Zielen, die in Nebeln verschwinden, sie lebte in ihrem Reich, das  merkwürdigerweise außer mir war. Wie steht sie zur Kunst? Als einige meiner Kollegen meine Hausarbeiten sahen, stempelten sie mich  zum „Koloristen“. Manche nannten mich nicht ohne bosheit den „Land-  schaftsmaler“. beides kränkte mich, obwohl ich die Gerechtigkeit dieser be-  Zeichnungen einsah. Um so mehr! Ich fühlte tatsächlich, daß ich im Reich der  Farben mich viel heimischer fühlte, als in dem der Zeichnung. Und ich wußte  nicht, wie ich mir diesem drohenden übel gegenüber helfen soll. Damals war Franz Stuck „der erste Zeichner Deutschlands“, und ich ging zu , ihm – leider nur mit meinen Schularbeiten. Er fand alles ziemlich verzeich-  net und riet mir, in der Zeichenklasse der Akademie ein Jahr zu arbeiten. Ich  fiel bei der Prüfung durch, was mich nur geärgert, aber gar nicht entmutigt  hat: es wurden bei dieser Prüfung Zeichnungen gut geheißen, die ich mit  vollem Rechte dumm, talentlos und ganz ohne jede Kenntnis fand. Nach  einem Jahr der Arbeit zu Hause ging ich zum zweiten Mal zu Franz Stuck –  dieses Mal nur mit Entwürfen zu bildern, die ich noch nicht fertig malen  konnte und mit einigen Landschaftsstudien. Er nahm mich in seine Malklasse  auf, und auf meine Frage wegen meiner Zeichnung bekam ich zur Antwort,  sie sei ausdrucksvoll. Stuck stellte sich schon bei meiner ersten Arbeit auf der  Akademie energisch gegen meine „Extravaganzen“ in der Farbe und riet mir,  erst schwarz-weiß zu malen, um nur die Form zu studieren. Er sprach über-  raschend liebevoll von der Kunst, von dem Formenspiel, von dem Ineinan-  derfließen der Formen und gewann meine volle Sympathie. Ich wollte bei  ihm nur die Zeichnung lernen, da ich sofort bemerkte, daß er wenig farben-  empfindlich ist, und fügte mich völlig seinen Ratschlägen. An dieses Jahr der  Arbeit bei ihm, obgleich ich mich manchmal bitter ärgern mußte, denke ich  im letzten Schlüsse mit Dankbarkeit. Stuck sprach immer sehr wenig und  manchmal nicht sehr klar. Ich mußte manchmal nach der Korrektur lange  über seine Äußerungen nachdenken – fand sie später aber fast immer gut.  Meinem bösen übel der Unfähigkeit, ein bild fertig zu malen, hat er durch  eine einzige Äußerung abgeholfen. Er sagte mir, daß ich zu nervös arbeite,  daß  ich das  Interesse  im ersten Augenblick abpflücke und durch den zu  spät kommenden  trockenen Teil der Arbeit dieses  Interessante verderbe:  „Ich erwache mit dem Gedanken: heute darf ich dieses oder jenes machen.“  Dieses „darf ich“ entblößte vor mir nicht nur die tiefe Liebe Stucks zur Kunst  und einen hohen Respekt vor ihr, sondern auch das Geheimnis der ernsten  Arbeit. Und ich malte zu Hause mein erstes bild fertig. Aber noch viele Jahre war ich wie ein Affe im Netz: die organischen Gesetze  der Konstruktion umwickelten mich in meinem Wollen, und nur durch große  Mühen, Anstrengungen und Versuche habe ich diese „Mauer vor der Kunst“  umgeworfen. So trat ich endlich in das Reich der Kunst, das der Natur, der  Wissenschaft, der politischen Lebensform usw. gleich ein Reich für sich ist, , durch eigene und nur ihm eigene Gesetze regiert wird und das mit den ande-  ren Reichen zusammen im letzten Grunde das große Reich bildet, das wir  nur dumpf ahnen können. Heute ist der große Tag einer der Offenbarungen dieses Reiches. Die Zusam-  menhänge dieser einzelnen Reiche wurden wie durch einen blitz beleuchtet;  sie traten unerwartet, erschreckend und beglückend aus der Finsternis. Nie  waren sie so stark miteinander verbunden und nie so stark voneinander ab-  gegrenzt. Dieser blitz ist das Kind der Verdüsterung des geistigen Himmels,  der schwarz, erstickend und tot über uns hing. Hier fängt die große Epoche  des Geistigen an, die Offenbarung des Geistes. Vater – Sohn – Geist. Ich habe mit der Zeit und nur ganz allmählich erkannt, daß die „Wahrheit“  überhaupt, und speziell in der Kunst nicht ein X ist, nicht eine immer un-  vollkommen erkannte, aber unbeweglich stehende Größe ist, sondern daß  diese Größe beweglich ist, sich in ständiger langsamer bewegung befindet.  Sie sah für mich plötzlich so aus, wie eine sich langsam bewegende Schnecke,  die scheinbar kaum vom Fleck kommt und hinter sich einen klebrigen Strei-  fen läßt, an dem kurzsichtige Gemüter kleben bleiben. Auch hier bemerkte  ich diese wichtige Tatsache erst in der Kunst, und später sah ich auch in die-  sem Fall, daß dasselbe Gesetz die anderen Gebiete des Lebens ebenso be-  stimmt. Diese bewegung der Wahrheit ist sehr kompliziert: Unwahres wird  wahr, Wahres unwahr, manche Teile fallen ab wie die Schale von der Nuß,  die Zeit hobelt diese Schale ab, manche halten deshalb die Schale für die Nuß  und schenken dieser Schale das Leben der Nuß, viele balgen sich um diese  Schale, und die Nuß rollt weiter, eine neue Wahrheit fällt wie vom Himmel  und sieht so präzis, so steif und hart aus, erscheint so unendlich hoch, daß  manche, wie auf eine lange Holzstange, auf sie klettern und sicher sind, daß  sie dieses Mal den Himmel erreichen … bis sie bricht und bis die Kletterer,  wie Frösche in den Sumpf, in die trübe Unkenntnis zurückfallen. Der Mensch  gleicht oft einem Käfer, den man am Rücken hält: er bewegt mit stummer  Sehnsucht seine Ärmchen, greift nach jedem Halm, den man ihm vorhält,  und glaubt beständig an diesem Halm seine Rettung zu finden. In Zeiten  meines „Unglaubens“ fragte ich mich: Wer hält mich am Rücken? Wessen  Hand hält mir den Halm vor und entzieht ihn wieder? Oder liege ich auf der , staubigen, gleichgültigen Erde auf dem Rücken und greife nach den Halmen,  die „von selbst“ um mich wachsen? Wie oft fühlte ich aber diese Hand an  meinem Rücken und dann noch eine andere, die sich auf meine Augen legte,  so daß ich mich in finsterer Nacht befand, während die Sonne schien. Die Kunst ist in vielem der Religion ähnlich. Ihre Entwicklung besteht nicht  aus neuen Entdeckungen, die die alten Wahrheiten streichen und zu Ver-  irrungen stempeln (wie es scheinbar in der Wissenschaft ist). Ihre Entwick-  lung besteht aus plötzlichem Aufleuchten, das dem blitz ähnlich  ist, aus  Explosionen, die wie die Feuerwerkkugel am Himmel platzen, um ein ganzes  „bukett“ verschieden leuchtender Sterne um sich zu streuen. Dieses Aufleuch-  ten zeigt mit blendendem Licht neue Perspektiven, neue Wahrheiten, die  im Grunde nichts anderes sind, als die organische Entwicklung, das orga-  nische Weiterwachsen der früheren Weisheit, die durch diese letzte nicht  annulliert wird, sondern als Weisheit und Wahrheit weiter lebt und erzeugt.  Durch den neuen Ast wird der Stamm des baumes nicht überflüssig: er be-  dingt die Möglichkeit dieses Astes. Wäre das Neue Testament ohne das Alte  möglich? Wäre unsere Zeit der Schwelle der „dritten“ Offenbarung ohne die  zweite denkbar? Es ist ein Verzweigen des ursprünglichen baumstammes,  in dem „alles beginnt“. Und das Verzweigen, das weitere Wachsen und die  weitere Verkomplizierung, die oft verwirrend und verzweifelnd wirken, sind  die nötigen Stufen zu der mächtigen Krone, die Stufen, die im letzten Grunde  den grünen baum bilden. christus ist, nach seinen eigenen Worten, nicht gekommen, um das alte Ge-  setz zu stürzen. Wenn er sprach: „Es ward euch gesagt … und ich sage euch  …“, so brachte er das alte materielle Gesetz als sein geistig gewordenes Ge-  setz: die Menschheit seiner Zeit war im Gegensatz zu der Menschheit der  Zeit Mosis fähig geworden, die Gesetze „töte nicht“, „sei nicht unkeusch“  nicht nur in der direkten, materiellen Form aufzufassen und zu erleben, son-  dern auch in der abstrakteren Form der Gedankensünde. Der einfache präzise und harte Gedanke wird also nicht umgestürzt, sondern  als Vorstufe für weitere daraus erwachsende Gedanken gebraucht. Und diese  weiteren weicheren, die weniger präzisen und weniger materiellen Gedanken  sind weicheren, weiteren neuen Ästen gleich, die neue Löcher in die Luft , bohren. Der Wert der Tatsache wird auf die Waage christi nicht als äußere  harte Handlung gelegt, sondern als eine innere und biegsame. Hier liegt die  Wurzel der weiteren Umwertung der Werte, die ununterbrochen, also auch  heute,  langsam weiter schafft und zur selben Stunde die Wurzel der Ver-  innerlichung ist, die wir auch im Reiche der Kunst allmählich erreichen. Zu  unserer Zeit in einer stark revolutionären Form. Auf diesem Wege bin ich  zuletzt dazu gekommen, daß ich die gegenstandslose Malerei nicht als ein  Streichen der ganzen früheren Kunst empfunden habe, sondern nur als eine  ungemein wichtige primordinäre Zerteilung des einen alten Stammes in  zwei Hauptäste * der Verzweigung, die zur bildung der Krone des grünen  baumes unumgänglich ist. Mehr  oder  weniger  deutlich  habe  ich  diese  Tatsache  von  jeher  empfun-  den und wurde immer durch behauptungen, daß ich die alte Malerei um-  stoßen  wolle,  in  Mißstimmung gebracht.  Ich  empfand  dieses  Umstoßen  in meinen Arbeiten nie:  ich  fühlte  in  ihnen nur den  innerlich  logischen,  äußerlich organischen unvermeidlichen weiteren Wuchs der Kunst. Es ist  mir allmählich das frühere Gefühl der Freiheit zum bewußtsein gekommen,  und  so  fielen  allmählich  die  nebensächlichen  Forderungen,  die  ich  der  Kunst stellte. Sie fallen zugunsten nur einer einzigen Forderung: der For-  derung  des  inneren  Lebens  im  Werke.  Hier  bemerkte  ich  zu  meiner  überraschung,  daß  diese  Forderung  auf  der  basis  gewachsen  ist,  die  christus als eine moralische Qualifizierungsbasis aufstellte. Ich bemerkte,  daß  diese  Kunstanschauung  christlich  ist  und  daß  sie  zu  derselben  Zeit  die nötigen Elemente zum Empfang der „dritten“ Offenbarung, der Offen-  barung des Geistes,  in sich birgt. *  Ich finde es aber ebenso  logisch, daß  das  Streichen  des  Gegenstandes  in  der  Malerei  sehr  große  Forderungen  an das innere Erleben der rein malerischen Form stellt, so daß also eine  Entwicklung des beschauers in dieser Richtung unbedingt notwendig ist  und deshalb in keinem Falle ausbleiben kann. So werden die bedingungen  geschaffen, die eine neue Atmosphäre bilden. In dieser Atmosphäre wird  sich viel, viel später die reine Kunst bilden, die uns in den von uns heute  weggleitenden Träumen mit einer unbeschreiblichen Anziehungskraft vor-  schwebt., Ich verstand mit der Zeit, daß meine langsam weiterentwickelte (teilweise  eroberte)  Duldsamkeit  fremden  Werken  gegenüber  mir  in  keiner  Weise  schadet, daß sie umgekehrt der Einseitigkeit meiner bestrebungen ganz be-  sonders günstig  ist. Daher möchte  ich die Äußerung: „Der Künstler soll  einseitig  sein“,  teils  begrenzen,  teils  erweitern  und  sagen:  „Der  Künstler  soll  in seinen Werken einseitig sein.“ Die Fähigkeit,  fremde Werke zu er-  leben (was natürlich auf eigene Art geschieht und geschehen muß), macht  die  Seele  empfindlicher,  vibrationsfähiger,  wodurch  sie  sie  bereichert,  er-  weitert, verfeinert und zu eigenen Zwecken immer geeigneter macht. Das  Erleben fremder Werke ist dem Erleben der Natur im breitesten Sinne gleich.  Und darf und kann ein Künstler blind und taub sein? Ich möchte sagen, daß  man mit noch froherem Gemüt, mit noch ruhigerer Glut an eigene Arbeit  geht, wenn man sieht, daß auch andere Möglichkeiten (die unzählig sind)  in der Kunst richtig (oder mehr oder weniger richtig) ausgenützt werden.  Was mich persönlich anlangt, so liebe ich jede Form, die aus dem Geist not-  wendig entstanden ist, vom Geist geschaffen wurde. Ebenso wie ich jede  Form hasse, die es nicht ist. Ich glaube, daß die künftige Philosophie, außer dem Wesen der Dinge, auch  ihren Geist mit besonderer Aufmerksamkeit studieren wird. Dann wird die  Atmosphäre gebildet, die den Menschen im allgemeinen die Fähigkeit ermög-  lichen wird, den Geist der Dinge zu fühlen, diesen Geist, wenn auch ganz  unbewußt, zu erleben, so wie noch heute das Äußere der Dinge unbewußt  von den Menschen im allgemeinen erlebt wird, was den Genuß des Publi-  kums an der gegenständlichen Kunst erklärt. Dadurch aber wird den Men-  schen im allgemeinen erst das Erleben des Geistigen in den materiellen Din-  gen bedingt. Und durch diese neue Fähigkeit, die im Zeichen des „Geistes“  stehen wird, kommt der Genuß der abstrakten = absoluten Kunst zustande.  Mein buch „über das Geistige in der Kunst“ und ebenso „Der blaue Reiter“  hatten hauptsächlich den Zweck, diese unbedingt  in der Zukunft nötige,  unendliche Erlebnisse ermöglichende Fähigkeit des Erlebens des Geistigen  in den materiellen und in den abstrakten Dingen zu wecken. Der Wunsch,  diese beglückende Fähigkeit  in den Menschen, die sie noch nicht hatten,  hervorzurufen, war das Hauptziel der beiden Publikationen. *, 7. Komposition 10; 1939, Die beiden bücher wurden und werden oft mißverstanden. Sie werden als  „Programme“ aufgefaßt und ihre Verfasser werden als theoretisierende in  Gehirnarbeit  sich  verirrt  habende  „verunglückte“  Künstler  gestempelt.  Nichts lag mir aber ferner, als an den Verstand, an das Gehirn zu appellieren.  Diese Aufgabe wäre heute noch verfrüht gewesen und wird sich als nächstes,  wichtiges  und  unvermeidliches  Ziel  (=  Schritt)  in  der  weiteren  Kunst-  entwicklung vor die Künstler stellen. Dem sich befestigt und starke Wurzeln  gefaßt habenden Geist kann und wird nichts mehr gefährlich sein, also auch  nicht die viel gefürchtete Gehirnarbeit in der Kunst. Nach unserer schon erwähnten italienischen Reise und nach kurzer Rückkehr  nach Moskau, als ich kaum fünf Jahre alt war, mußten meine Eltern und  meine Tante, Elisabeth Ticheeff, der ich nicht weniger als meinen Eltern ver-  danke,  aus  Gesundheitsrücksichten  für  meinen  Vater  nach  Südrußland  (Odessa) ziehen. Dort besuchte ich später das Gymnasium, fühlte mich aber  immer als vorübergehenden Gast in der meiner ganzen Familie fremden  Stadt. Der Wunsch, wieder nach Moskau zurückkehren zu dürfen, verließ  uns  nie,  und  diese  Stadt  entwickelte  in  meinem  Herzen  eine  Sehnsucht,  ähnlich  der,  welche  Tschechow  in  seinen  „Drei  Schwestern“  beschreibt.  Mein Vater nahm mich von meinem dreizehnten Jahre ab jeden Sommer mit  nach  Moskau,  und  so  übersiedelte  ich  schließlich  dorthin  mit  achtzehn  Jahren mit dem Gefühl, daß ich endlich wieder in meiner Heimat bin. Mein  Vater stammt aus Ostsibirien, wohin seine Ahnen aus politischen Gründen  von Westsibirien verbannt wurden. Er bekam seine bildung in Moskau und  lernte  diese  Stadt  nicht  weniger  wie  seine  Heimat  lieben.  Seine  tiefe  menschliche und liebevolle Seele verstand den „moskowischen Geist“, und  nicht weniger kennt er das äußere Moskau. Es  ist  immer ein Vergnügen  für mich, zu hören, wenn er zum beispiel mit andächtiger Stimme die zahl-  losen Kirchen mit den wunderbaren alten Namen aufzählt. Zweifellos klingt  hier eine künstlerische Seele heraus. Meine Mutter ist eine geborene Mosko-  witin und vereint in sich die Eigenschaften, die für mich Moskau verkörpern:  äußere, auffallende, durch und durch ernste und strenge Schönheit,  fein-  rassige  Einfachheit,  unerschöpfliche  Energie,  eigenartig  aus  starker  Ner-  vosität  und  imponierender  majestätischer  Ruhe  und  heldenhafter  Selbst- , beherrschung geflochtene Vereinbarung von Tradition mit echtem Freigeist.  Kurz – in menschlicher Gestalt die „weißsteinige“, „goldhäuptige“ „Mutter-  Moskau“.  Moskau:  Die  Doppeltheit,  die  Kompliziertheit,  die  höchste  be-  weglichkeit,  das  Zusammenstoßen  und  Durcheinander  in  der  äußeren  Erscheinung, die im letzten Grunde ein eigenes, einheitliches Gesicht bildet,  dieselben Eigenschaften im inneren Leben, was dem fremden Auge unver-  ständlich  ist  (deshalb  die  vielen,  sich  widersprechenden  Urteile  der  Aus-  länder über Moskau) und was doch ebenso eigenartig und im letzten Grunde  vollkommen einheitlich  ist – dieses gesamte äußere und  innere Moskau  halte ich für den Ursprung meiner künstlerischen bestrebungen. Es ist meine  malerische Stimmgabel. Ich habe das Gefühl, daß es immer so war, und daß  ich  mit  der  Zeit  und  dank  den  äußeren  formellen  Fortschritten  dieses  „Modell“, nur immer mit stärkerem Ausdruck,  in vollkommenerer Form,  im Wesentlicheren gemalt habe und jetzt male. Die Abstecher, die ich auf  diesem doch geraden Wege gemacht habe, waren mir im großen und ganzen  nicht schädlich, einige tote Zeiten, in welchen ich entkräftet war und die  ich manchmal als den Schluß meiner Arbeit empfand, waren größtenteils  Anläufe und Ruhepausen, die den weitern Schritt ermöglichten. In vielen Dingen muß ich mich verurteilen, aber einem blieb  ich  immer  treu – der inneren Stimme, die mir mein Ziel in der Kunst bestimmt hat  und der zu folgen ich bis zur letzten Stunde hoffe. München, Juni 1913  Kandinsky,

Komposition 4

Nachträgliches Definieren 1. Massen (Gewichtsmassen):   Farbe   unten Mitte – blau (gibt dem Ganzen kalten Klang)      oben rechts – getrenntes blau, Kot, Gelb   Linie    oben links – schwarze Linien der Pferde im Knoten      unten rechts – langgezogene Linien der Liegenden 2. Gegensätze   der Masse zur Linie,   des Präzisen zum Verschwommenen,   des Linienknotens zum Farbenknoten und   Hauptgegensatz: spitze, scharfe bewegung (Schlacht)   zu hell-kalt-süßen Farben. 3. Überfließungen   der Farbe über die Konturen.   Das  vollkommene  Konturieren  nur  der  burg  wird  abgeschwächt    durch das Hineinfließen des Himmels über die Kontur. 4. Zwei Zentren:   1. Linienknoten,   2. modellierte Spitze des blau   sind  voneinander  durch  die  zwei  senkrechten  schwarzen  Linien    abgeteilt (Spieße).   Die  ganze  Komposition  ist  sehr  hell  gemeint  mit  vielen  süßen    Farben,  die  oft  ineinander  fließen  (Auflösungen),  auch  das  Gelb    ist  kalt.  Dieses  Hell-Süß-Kalte  zum  Spitz-bewegten  (Krieg)  ist    der  Hauptgegensatz  im  bilde.  Hier  ist,  scheint  mir,  dieser  Gegen- ,   satz  (im  Vergleich  mit  Komposition  2)  noch  stärker,  aber  dafür    auch  härter  (innerlich),  deutlicher,  was  als  Vorteil  das  präzisere    Wirken  hat  und  als  Nachteil  eine  zu  große  Deutlichkeit  dieser    Präzisität.   Hier liegen zugrunde folgende Elemente:   1.  Zusammenklang ruhiger Massen miteinander.   2.     Ruhige  bewegung  der  Teile  hauptsächlich  nach  rechts  und         nach oben;   3.     hauptsächlich spitze bewegung nach links und nach oben.   4.     Der Widerspruch in beiden Richtungen (in der Richtung nach         rechts gehen kleinere Formen nach links u. dgl.).   5.  Zusammenklang der Massen mit den Linien, die bloßliegen.   6.     Gegensatz  der  verschwommenen  Formen  zu  den  konturierten         (also  Linie  als  Linie  [5]  und  als  Kontur,  wo  sie  auch  als  Linie         mitklingt).   7.  Das Überfließen der Farbe über die Grenze der Form.   8.     Das Überwiegen des Farbenklanges über den Formklang.   9.     Auflösungen.,

Komposition 6

Dieses bild habe ich anderthalb Jahre in mir getragen, und oft mußte ich  denken, daß ich es nicht fertigbringe. Der Ausgangspunkt war die Sintflut.  Der Ausgangspunkt war ein Glasbild, das ich mehr zu meinem Vergnügen  gemacht  habe.  Hier  sind  verschiedene  gegenständliche  Formen  gegeben,  die teilweise lustig sind (es machte mir Spaß, die ernsten Formen mit lustigen  äußeren  Ausdrücken  zu  vermengen):  Akte,  Arche,  Tiere,  Palmen, blitze,  Regen  usw.  Als  das  Glasbild  fertig  wurde,  entstand  in  mir  der  Wunsch,  dieses Thema für eine Komposition zu bearbeiten, und es war mir damals  ziemlich klar, wie  ich es machen  soll.  Sehr bald verschwand aber dieses  Gefühl, und ich verlor mich in körperlichen Formen, die ich nur um die  Vorstellung des bildes zu klären und zu heben gemalt hatte. Statt Klarheit  gewann  ich  Unklarheit.  Auf  einigen  Skizzen  löste  ich  die  körperlichen  Formen auf, auf anderen versuchte ich, den Eindruck rein abstrakt zu er-  reichen. Es ging aber doch nicht. Und das kam nur daher, weil ich dem Aus-  druck der Sintflut selbst unterlag, statt dem Ausdrucke des Wortes „Sint-  flut“ zu gehorchen. Nicht der innere Klang, sondern der äußere Eindruck  beherrschte mich. Es vergingen Wochen, und  ich versuchte wieder,  aber  immer ohne Erfolg. Ich versuchte auch das erprobte Mittel, mich zeitweise  von der Aufgabe abzuwenden, um dann plötzlich die besseren Entwürfe  mit  fremden Augen anschauen zu können.  Ich  sah dann auch Richtiges  darin, konnte aber den Kern von der Schale nicht trennen. Ich erinnerte  mich an eine Schlange, der es nicht recht gelingen wollte, aus der alten Haut  zu  kriechen.  Die  Haut  sah  schon  so  unendlich  tot  aus  –  aber  sie  klebte.  So klebte auch an mir anderthalb Jahre das dem inneren bild fremde Element  der Katastrophe, die Sintflut heißt. Mein Glasbild war damals in Ausstellungen. Als es aber zurückkam, und  ich es wieder gesehen hatte, bekam ich sofort den inneren Schock, welchen  ich nach der Herstellung des Glasbildes erlebt hatte.  Ich war aber  schon  mißtrauisch und glaubte nicht, daß ich jetzt das große bild machen können  würde. Trotzdem guckte ich von Zeit zu Zeit auf das Glasbild, das bei mir , im Atelier hing. Jedesmal erschütterten mich wieder erst die Farben, dann  das Kompositionelle daran und die zeichnerische Form ohne bezug auf den  Gegenstand. Dieses Glasbild war von mir getrennt. Es war mir merkwürdig,  daß ich es gemalt habe. Und es wirkte auf mich so, wie manche objektiven  Gegenstände  oder  begriffe,  welche  die  Kraft  haben,  durch  eine  Seelen-  vibration in mir rein malerische Vorstellungen zu wecken, und welche mich  schließlich zur Herstellung eines bildes bringen. Endlich kam der Tag, und  eine  mir  bekannte  ruhige  innere  Spannung  machte  mich  vollkommen  sicher. Ich machte sofort beinahe ohne Korrekturen den definitiven letzten  Entwurf,  der  mich  im  ganzen  sehr  befriedigte.  Jetzt  wußte  ich,  daß  ich  bei normalen Zuständen das bild malen werde. Kaum hatte ich die bestellte  Leinwand, so ging ich schon an die Zeichnung. Es ging schnell, und beinahe  alles wurde sofort gut. In zwei bis drei Tagen war das bild im allgemeinen  da. Der große Kampf, die große bezwingung der Leinwand war geschehen.  Wenn ich später aus irgendeinem Grund an diesem bild nicht mehr hätte  malen können, so wäre es doch da: die große Hauptsache war schon gemacht.  Dann kam also das unendlich feine, angenehme und doch sehr anstrengende  Abwiegen der einzelnen Teile gegeneinander. Wie quälte ich mich früher,  wenn ich irgendeinen Teil unrichtig fand und ihn zu bessern suchte! Die  Erfahrungen der Jahre haben mich gelehrt, daß der Fehler manchmal gar  nicht da liegt, wo man ihn sucht. Oft ist es so, daß man die linke untere Ecke  dadurch verbessert, daß man an der oberen rechten etwas ändert. Wenn die  linke Waagschale zu tief geht, so muß man auf die rechte etwas mehr Ge-  wicht  legen  –  dann  geht  die  linke  von  selbst  hinauf.  Das  anstrengende  Suchen nach dieser rechten Schale im bilde, das Finden des genauen noch  fehlenden Gewichtes, das Erzittern der linken Schale durch die berührung  der rechten, die minimalsten Änderungen in Zeichnung und Farbe an einer  Stelle, die das ganze bild vibrieren lassen, dieses unendlich Lebendige, un-  ermeßlich Empfindliche in einem richtig gemalten bild ist der dritte schöne  und quälende Moment in der Malerei. Gerade die minimalen Gewichte, die  man hier braucht und die eine so starke Wirkung auf das ganze bild aus-  üben,  die  unbeschreibliche  Genauigkeit  im  Wirken  eines  verborgenen  Gesetzes, das die glücklich gestimmte Hand wirken läßt und dem sie folg- , sam  unterliegt,  ist  ebenso  verlockend,  wie  das  erste  gewaltige  Auf-die-  Leinwand-Werfen der großen Massen. Jedem dieser Momente entspricht  eine eigene Spannung, und wieviel falsche oder unfertig gebliebene bilder  verdanken ihr krankes Dasein nur dem Umstand, daß eine falsche Spannung  angewendet wurde. In diesem bilde sieht man zwei Zentren: 1.  links das zarte, rosige, etwas zerschwommene Zentrum mit schwachen      unsicheren Linien in der Mitte, 2.     rechts  (etwas  höher  als  das  linke)  das  grobe,  rot-blaue,  etwas  miß-  klingend, mit scharfen, etwas bösen, starken, sehr präzisen Linien. Zwischen diesen zwei Zentren das dritte (dem linken näher liegend), wel-  ches erst  später als Zentrum erkannt werden kann und doch  im  letzten  Grunde das Hauptzentrum ist. Hier schäumt die rosa und weiße Farbe so,  daß sie weder auf der Fläche der Leinwand zu liegen scheint, noch auf irgend-  einer idealen Fläche. Sie ist vielmehr in der Luft schwebend und sieht wie  von  Dampf  umgeben  aus.  Solche  Abwesenheit  der  Fläche  und  die  Un-  bestimmtheit der Entfernung kann man z. b. im russischen Dampfbad be-  obachten. Der in dem Dampf stehende Mensch ist weder nahe, noch weit;  er  ist  irgendwo.  Dieses  „Irgendwo“  des  Hauptzentrums  bestimmt  den  inneren Klang des ganzen bildes. Ich habe so viel an dieser Stelle gearbeitet,  bis ich das erst undeutlich Gewünschte und später immer klarer in meinem  Innern Verlangte gestaltet hatte. Die  sämtlichen kleineren Formen verlangten  in diesem bilde etwas, das  sehr einfach und sehr breit („largo“) wirkt. Ich habe zu diesem Zweck die  langen feierlichen Striche verwendet, die ich schon in der Komposition 4  gebracht habe. Es war  sehr  schön, dieses  schon angewendete Mittel hier  auf eine so andere Weise wirken zu sehen. Diese Striche sind mit den oberen  quer und präzis zu ihnen gehenden dicken Strichen verbunden, mit denen  sie direkt zusammenprallen. Um die zu dramatisch klingende Handlung der Linien zu mildern, d. h. um  das zu aufdringlich sprechende dramatische Element zu vertuschen (ihm  einen Maulkorb anzulegen), ließ ich auf dem bild eine ganze Fuge von ver- , schieden gefärbten Rosaflecken sich abspielen. Sie kleiden die große Unruhe  in große Ruhe und objektivieren den ganzen Vorgang. Diesen feierlich ruhi-  gen charakter unterbrechen andererseits verschiedene blaue Flecken, die  innerlich warm wirken. Das warme Wirken der an sich kalten Farbe steigert  also das dramatische Element in einer wieder objektiven und vornehmen  Art. Die ganz tiefen braunen Formen (besonders links oben) bringen eine  abgestumpfte und sehr abstrakt klingende Note, die an das Element des  Hoffnungslosen erinnert. Grün und Gelb beleben den Seelenzustand und  geben ihm die fehlende Aktivität. Die  Glattheiten  und  Roheiten  und  andere  Griffe  in  der  behandlung  der  Leinwand  selbst  habe  ich  hier  in  hohem  Maße  angewandt.  Deshalb  be-  kommt  der  beschauer  neue  Erlebnisse,  wenn  er  auch  nahe  vor  die  Lein-  wand tritt. So sind alle und auch die sich widersprechenden Elemente in volles inneres  Gleichgewicht gebracht, so daß kein Element Oberhand bekommt, das Ent-  stehungsmotiv des bildes (Sintflut) aufgelöst und in ein inneres rein male-  risches, selbständiges und objektives Wesen verwandelt wird. Nichts wäre  falscher, als dieses bild zur Darstellung eines Vorganges zu stempeln. Ein großer, objektiv wirkender Untergang ist ebenso ein vollständig und  im  Klang  abgetrennt  lebendes  Loblied,  wie  ein  Hymnus  der  neuen  Ent-  stehung, die dem Untergang folgt. Mai 1913, 8. Gegenseitige übereinstimmung; Nr. 687, 1942,

Das Bild mit weissem Rand

Für dieses bild habe ich viel Entwürfe, Skizzen und Zeichnungen gemacht.  Den ersten Entwurf machte ich sehr bald nach meiner Rückkehr aus Moskau  im Dezember  1912:  es war das Resultat  der  letzten,  wie gewöhnlich  sehr  starken Erlebnisse  in Moskau, richtiger gesagt – von Moskau selbst. Der  erste Entwurf war sehr knapp und gedrängt. Schon im zweiten habe ich  die „Auflösung“ der Farben- und Formenereignisse in der rechten unteren  Ecke  gebracht.  Links  oben  blieb  das  Troikamotiv  (=  Dreigespann.  So  nenne ich drei mit verschiedenen Abweichungen nebeneinander laufende  Linien, die oben gebogen sind. Auf diese Form kam ich durch die Rücken-  linien der drei Pferde im russischen Dreigespann), das ich schon sehr lange  in mir hatte und das ich in verschiedenen Zeichnungen verwendet hatte.  Diese linke Ecke mußte besonders einfach sein, d. h. der Eindruck davon  mußte direkt und von der Form unbehindert gegeben werden. Ganz in der  Ecke sind weiße Zacken, die ein Gefühl ausdrücken, das ich in Worten nicht  geben kann. Vielleicht erregt es ein Gefühl von Hindernis, das die Troika  aber  schließlich  nicht  abhalten  kann.  Auf  diese  Weise  beschrieben,  be-  kommen diese zusammengestellten Formen einen hölzernen Ausdruck, der  mich ekelt. Z. b. eine grüne Farbe läßt oft (oder manchmal) in der Seele den  Nebenklang des Sommers mitklingen (unbewußt). Und das dumpfe Mit-  klingen kann durch die reine Kühle und Klarheit in solchem Falle sehr rich-  tig sein. Wie wäre es aber eklig, wenn dieser Mitklang so stark und deutlich  wäre, daß man an die „Freuden“ des Sommers denken würde: wie schön  es  z. b.  ist,  im  Sommer  ohne  Schnupfengefahr  den  Rock  ausziehen  zu  können. Also  Klarheit  und  Einfachheit  links  oben,  verschmierte  Auflösung  mit  dumpfen kleinen Auflösungen rechts unten. Wie ich sehr oft mache, zwei Zentren (die hier aber weniger selbständig sind, als z. b. in der Komposition  6, wo man aus einem bilde zwei machen könnte, die selbständig leben, aber  zusammengewachsen sind). Das eine Zentrum links: Kombination stehender Formen, die auf das zweite , Zentrum  zugehen,  mit  reinen,  sehr  klingenden  Farbenschlägen;  das  Rot  etwas zerfließend, das blau in sich gehend (stark betonte konzentrische be-  wegung). Die Mittel also auch sehr einfach und vollkommen unverschleiert  und klar. Das zweite Zentrum rechts: gebogene, dicke Strichform (die mich sehr viel  Mühe gekostet hat). Sie hat nach außen und nach  innen heiße (ziemlich  weiße) Zacken, was ihrer etwas melancholischen Gebogenheit den beiklang  eines energischen „inneren Kochens“ gibt. Das alles versinkt (sozusagen und  übertrieben gesagt) in dumpfen blauen Tönen, die nur hier und da zu einem  lauten Klang gelangen und alle zusammen der oberen Form eine etwas ei-  förmige Umgebung geben. Es ist wie ein kleineres Reich für sich, das aber  nicht auf das Ganze fremd aufgeklebt ist, sondern wie eine blume darauf  wächst. Diese etwas eiförmige Form habe ich an ihren Grenzen so behandelt,  daß sie klar daliegt, aber keinesfalls zu auffallend oder aufdringlich wirkt:  ich habe ihre Grenzen z. b. oben klarer angegeben, unten zerschmiert. Wenn  man diese Grenzen mit dem Auge verfolgt, so erlebt man viele innere Wellen.  Die beiden Zentren sind voneinander getrennt und miteinander verbunden  durch viele mehr oder weniger deutliche Formen, die teilweise einfache Flek-  ken und grün sind. Dieses viele Grün habe ich ganz unbewußt gebracht und,  wie ich jetzt merke – planmäßig: ich hatte nicht den Wunsch, in diesem doch  stark bewegten bild eine große Unruhe zu bringen. Vielmehr wollte ich, wie  ich nachträglich bemerkte, durch Unruhe Ruhe zum Ausdruck bringen. Es  kam sogar zuviel Grün und besonders zuviel Pariser blau (dumpf klingende  Kälte) ins bild, so daß ich später nicht ohne Anstrengung und Mühe den  überfluß dieser Farben aufwog und entfernte. Zwischen der links oben liegenden Einfachheit und den beiden Zentren dik-  tierte mir meine innere Stimme gebieterisch eine Technik anzuwenden, die  ich gern Quetschtechnik nennen möchte: ich quetschte den Pinsel auf die  Leinwand, so daß kleine Spitzen und Hügelchen entstanden. Es ist sehr rich-  tig und wieder zweckmäßig geschehen: wie nötig war diese technische Un-  ruhe zwischen den drei beschriebenen Punkten. Links unten ist Kampf in Weiß und Schwarz, der durch Neapelgelb von der  dramatischen Klarheit der oberen linken Ecke abgetrennt ist. Wie die schwar- , zen undeutlichen Flecken sich im Weiß wälzen, nenne ich „das innere Kochen in unklarer Form“. Ähnlich ist die entgegengesetzte obere rechte Ecke, die aber schon zum wei-  ßen Rand gehört. Mit diesem weißen Rand ging es sehr langsam. Alle Entwürfe nutzten mir  wenig, d. h. einzelne Formen wurden schließlich klar in mir, – ich konnte  mich aber noch immer nicht entschließen, das bild zu malen. Es quälte mich,  Ich nahm nach Wochen immer wieder die Entwürfe vor die Augen und im-  mer fühlte ich wieder, daß ich unreif bin. Nur mit den Jahren habe ich ge-  lernt, in solchen Fällen Geduld zu zeigen und nicht zu versuchen, die Auf-  gabe übers Knie zu brechen. Und also erst nach beinahe fünf Monaten saß ich vor dem zweiten größeren  Entwurf in der Dämmerung und sah plötzlich vollkommen klar, was noch  fehlte – das war der weiße Rand. Ich hatte sogar Angst, diese Tatsache zu glauben, ging aber doch sofort in  mein Farbengeschäft  und bestellte  die Leinwand. Die Zweifel  wegen der  Größe der Leinwand haben höchstens eine halbe Stunde gedauert (Länge  160? 180? 200?). Diesen weißen Rand habe ich ebenso kapriziös gebracht, wie er mir von  selbst  vorkam:  links  unten  Abgrund,  daraus  steigende  weiße  Welle,  die  plötzlich fällt, dann die rechte Seite des bildes in faul sich schlängelnder Form  umfließt, oben rechts einen See bildet (wo das schwarze Kochen entsteht)  und zur linken oberen Ecke verschwindet, um als weiße Zacken zum letzten-  mal und definitiv auf dem bild zu erscheinen. Da dieser weiße Rand die Lösung des bildes war, so habe ich nach ihm das  ganze bild genannt. Mai 1913,

Anmerkungen

Seite 10:   Elisabeth Ticheeff, die einen großen, unverwischbaren Einfluß auf meine ganze Ent-  wicklung hatte. Sie war die älteste Schwester meiner Mutter und hatte in deren Er-  ziehung eine sehr große Rolle gespielt. Aber auch viele andere Menschen, mit denen sie  in berührung kam, vergessen nicht ihr verklärtes inneres Wesen. Seite 13:    Diese Selbsttätigkeit oder eigene „Initiative“ ist eine der erfreulichsten (leider viel zu  mangelhaft kultivierten) Seiten in feste Formen gedrückten Lebens. Jeder eigene (kor-  porative oder persönliche) Schritt ist folgenreich, da er an der Festigkeit der Lebens-  formen rüttelt – ob er „praktische Resultate“ erzielt oder nicht. Er bildet die Atmo-  sphäre der Kritik der gewohnten Erscheinungen, die durch die stumpfe Gewohnheit  immer weiter die Seele verhärten und unbeweglich machen. Daher der Stumpfsinn der  Massen, über den freiere Geister immer Grund zu bitteren Klagen hatten. Die korpo-  rativen Organisationen sollten so geschaffen werden, daß sie möglichst lockere Formen  bekommen, die viel mehr Neigung haben, sich jeder neuen Erscheinung anzupassen  und viel weniger an „Präzedenten“ halten, als es bisher üblich war. Jede Organisation  soll nur als übergang zur Freiheit aufgefaßt werden, als ein noch nötiges band, das  aber möglichst locker ist und die großen Schritte zu weiterer Entwicklung nicht hemmt. Seite 14:  Nach der „Emanzipation“ der bauern in Rußland gab ihnen die Regierung eine wirt-  schaftliche Selbstverwaltung, die die bauern für viele unerwartet politisch reif machte,  und das eigene Gericht, wo bis zu gewissen Grenzen die von den bauern unter sich  gewählten Richter Streite lösen und auch kriminelle „Vergehen“ bestrafen dürfen. Und  gerade hier hat das Volk das menschlichste Prinzip gefunden, um geringere Schuld  schwer zu strafen und schwerere gering oder gar nicht. Der bauernausdruck dafür ist:  „Je nach dem Menschen.“ Es wurde also kein steifes Gesetz gebildet (wie z. b. im rö-  mischen Recht – besonders jus strictum!), sondern eine äußerst biegsame und freiheit-  liche Form, die nicht durch das Äußere, jedoch ausschließlich durch das Innere bestimmt  wird. Seite 15:    Das „Licht- und Luftproblem“ der Impressionisten interessierte mich sehr wenig. Ich  fand immer, daß die klugen Gespräche über dieses Problem sehr wenig mit der Malerei  zu tun haben. Wichtiger erschien mir später die Theorie der Neoimpressionisten, die  im letzten Grunde von der Farbenwirkung sprach und die Luft in Ruhe ließ. Trotzdem  empfand ich erst dumpf und später bewußt, daß jede Theorie, die auf äußeren Mitteln  gegründet ist, stets nur ein Fall ist, an dessen Seite viele andere Fälle mit gleichem Recht  existieren können, noch später verstand ich, daß das Äußere aus dem Inneren wächst  oder totgeboren ist. Seite 16:    Mein Vater ließ mich mit einer außergewöhnlichen Geduld in meinem ganzen Leben  nach meinen Träumen und Launen jagen. Als ich zehn Jahre alt war, versuchte er, mich, zur Wahl zwischen dem Lateingymnasium und der Realschule heranzuziehen: Durch  seine Erklärungen der Unterschiede zwischen diesen Schulen verhalf er mir so selbstän-  dig, wie er nur konnte, diese Wahl zu treffen. Er unterstützte mich pekuniär viele lange  Jahre sehr freigebig. bei meinen Lebensänderungen sprach er mit mir als älterer Freund  und übte nie eine Spur von Gewalt in wichtigen Angelegenheiten auf mich aus. Sein  Erziehungsprinzip war volles Vertrauen und freundschaftliche beziehung zu mir. Er  weiß, wie dankbar ich ihm bin. Diese Zeilen sollten eine Weisung für die Eltern sein,  die ihre Kinder (und ganz besonders die künstlerisch begabten) oft mit Gewalt von  ihrer richtigen Laufbahn wegzustoßen versuchen und sie dadurch unglücklich machen. Seite 18:   Ein einfacher Fall der Zeitanwendung. Seite 18:   Aus dieser Zeit stammt meine Gewohnheit, einzelne Gedanken zu notieren. So ent-  stand „über das Geistige in der Kunst“ für mich unbemerkt. Die Notizen häuften sich  während der Zeitdauer von mindestens zehn Jahren. Eine meiner ersten Notizen über  Farbenschönheit im bilde ist folgende: „Die Farbenpracht im bilde muß den beschauer  gewaltig anziehen und zur selben Zeit muß sie den tief liegenden Inhalt verbergen.“  Ich meinte darunter den malerischen Inhalt, aber noch nicht in reiner Form (wie ich ihn  jetzt verstehe), sondern das Gefühl oder die Gefühle des Künstlers, die er malerisch  ausdrückt. Damals lebte ich noch in dem Wahn, daß der beschauer sich mit offener Seele  dem bild gegenüberstellt und eine ihm verwandte Sprache herauslauschen will. Solche  beschauer existieren auch (das ist kein Wahn), nur sind sie ebenso selten, wie Gold-  körner im Sand. Es gibt sogar solche beschauer, die ohne persönliche Verwandtschaft  mit der Sprache des Werkes sich ihm geben und von ihm nehmen können. Ich habe  solche im Leben getroffen. Seite 19:  Auch heute sehen viele Kritiker eine begabung in meinen älteren bildern, was ein  guter beweis ihrer Schwäche ist. In späteren und den letzten finden sie eine Verwir-  rung, eine Sackgasse, einen Niedergang und sehr oft einen betrug, was ein guter be-  weis der immer zunehmenden Kraft dieser bilder ist. Ich spreche hier natürlich nicht  von der Münchner Kritik allein: für sie – sehr wenige Fälle ausgenommen – sind meine  bilder eine böswillige Pfuscherei. Es wäre schade, wenn dieses Urteil anders wäre. Seite 26:   Anton Azbé war ein begabter Künstler und ein selten guter Mensch. Viele seiner zahl-  reichen Schüler studierten bei ihm unentgeltlich. Seine ständige Antwort auf die Ent-  schuldigung, nicht zahlen zu können, war: „Nur recht fleißig arbeiten!“ Er hatte schein-  bar ein sehr unglückliches Leben. Man konnte ihn lachen hören, aber nie sehen: seine  Mundwinkel hoben sich kaum, die Augen blieben immer traurig. Ich weiß nicht, ob  jemandem das Rätsel seines einsamen Lebens bekannt war. Und sein Tod war ebenso  einsam wie sein Leben: er starb ganz allein in seinem Atelier. Trotz seinem sehr gro-  ßen Einkommen hinterließ er nur wenige tausend Mark. Erst nach seinem Tode wurde  bekannt, in welchem Maße er freigebig war. Seite 31:   Unter diesen zwei Hauptästen verstehe ich zwei verschiedene Arten, die Kunst aus-  zuüben. Die virtuose Art (welche die Musik schon längst als eine spezielle Art kennt, und welche in der Literatur der Schauspielkunst entspricht) ruht auf der mehr oder  weniger persönlichen Empfindung und auf der künstlerischen, schöpferischen Interpre-  tation der „Natur“. (Ein wichtiges beispiel: Porträt.) Unter der Natur kann hier auch  ein schon existierendes und von anderer Hand geschaffenes Werk verstanden werden:  das daraus gewachsene virtuose Werk ist derselben Gattung wie ein „nach der Natur“  gemaltes bild. Der Wunsch, solche virtuose Werke zu schaffen, wurde bis jetzt in der  Regel von den Künstlern unterdrückt, was nur zu bedauern ist. Auch die sogenannte  Kopie gehört zu dieser Gattung: der Kopist bemüht sich, so nahe an das fremde Werk  zu  kommen,  wie  ein  sehr  genauer  Dirigent  eine  fremde  Komposition  behandelt.  Die andere Art ist die kompositionelle, bei der das Werk größtenteils oder ausschließe  lieh „aus dem Künstler“ entsteht, so wie das in der Musik seit Jahrhunderten der Fall  ist. Die Malerei hat in dieser beziehung die Musik eingeholt und beide bekommen eine  immer wachsende Tendenz, „absolute“ Werke zu schaffen, d. h. vollkommen „objek-  tive“ Werke, die den Naturwerken gleich rein gesetzmäßig als  selbständige Wesen  „von selbst“ erwachsen. Diese Werke stehen der in abstracto lebenden Kunst näher  und vielleicht sind sie allein bestimmt, diese in abstracto existierende Kunst in unab-  sehbarer Zeit zu verkörpern. Seite 31:    In diesem Sinne ist auch das oben erwähnte russische bauernrecht christlich und soll  dem heidnischen römischen Recht entgegengestellt werden. Die innere Qualifizierung  kann bei kühner Logik so erklärt werden: diese Handlung ist bei diesem Menschen kein  Verbrechen, wenn sie bei anderen Menschen im allgemeinen für ein Verbrechen ange-  sehen wird. Also: in diesem Falle ist ein Verbrechen kein Verbrechen. Und weiter: ab-  solutes Verbrechen existiert nicht. (Welcher Gegensatz zu nulla poena sine lege!) Noch  weiter: Nicht die Tat (Reales), sondern ihre Wurzel (Abstraktes) bildet böses (und  Gutes). Und schließlich: jede Tat ist gleichgültig. Sie steht auf der Kante. Der Wille  versetzt ihr den Stoß – sie fällt nach rechts oder nach links. Die äußere biegsamkeit  und die innere Präzisität ist in diesem Fall bei dem russischen Volk sehr entwickelt, und  ich glaube nicht zu übertreiben, wenn ich eine starke Fähigkeit zu dieser Entwicklung  überhaupt bei den Russen anerkenne. Es ist also kein Wunder, wenn Völker, die sich  in den oft wertvollen Prinzipien des formellen, äußerlich sehr präzisen römischen Gei-  stes entwickelt haben (man denke an das jus strictum der früheren Periode), sich ent-  weder mit Kopfschütteln oder mit verächtlichem Tadel dem russischen Leben gegen-  überstellen. besonders die oberflächliche beobachtung läßt in diesem, dem fremden  Auge merkwürdigen Leben nur die Weichheit und die äußere biegsamkeit sehen, die  für Haltlosigkeit angesehen wird, weil die innere Präzisität in der Tiefe liegt. Und das  hat zur Folge, daß die freidenkenden Russen anderen Völkern gegenüber viel mehr  Duldsamkeit zeigen, als  ihnen gezeigt wird. Und daß diese Duldsamkeit  in vielen  Fällen sich in begeisterung verwandelt. Seite 32:   Mein „Geistiges“ lag fertig geschrieben ein paar Jahre in meiner Schublade. Die Mög-  lichkeiten, den „blauen Reiter“ zu verwirklichen, versagten: Franz Marc ebnete dem  ersten buch den praktischen Weg. Das zweite unterstützte er auch durch seine feine,  verständnis- und talentvolle geistige Mitarbeit und Hilfe.,

Verzeichnis der Bildtafeln

1. Labiles Gleichgewicht; Nr. 659, 1939     Öl auf Leinwand; 100 × 81 cm 2. Murnau; 1908     Öl auf Karton; 33 × 44 cm 3. bild mit schwarzem bogen; Nr. 154, 1912     Öl auf Leinwand; 180 × 200 cm 4. Roter Fleck Nr. 2; Nr. 234, 1921     Öl auf Leinwand; 137 × 181 cm 5. Durchgehender Strich; Nr. 255, 1923     Öl auf Leinwand; 115 × 200 cm 6. bewegung; Nr. 618, 1935     Öl und Tempera auf Leinwand; 116 × 89 cm 7. Komposition 10; Nr. 655, 1939     Öl auf Leinwand; 195 × 130 cm 8. Gegenseitige übereinstimmung; Nr. 687, 1942     Öl und Ripolin auf Leinwand; 114 × 146 cm bild auf dem Schutzumschlag: Einstimmigkeit; Nr. 667, 1939     Öl auf Leinwand; 92 × 73 cm]
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Vier junge Männer – miteinander befreundete Studenten einer amerikanischen Hochschule – starten eines Tages zu einem Trip in die Wüste von Arizona. Ihr Ziel ist ein geheimnisvolles Kloster, das es dort, abgeschieden von der Welt, geben soll. So steht es in den verstaubten Dokumenten, die einer der S
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Eine große Melancholie liegt über der Geschichte von Provence und Languedoc. Dort war ein Volk herangewachsen, das nicht in mittelalterlicher Weltflucht versank, sondern heiter und unbeschwert der Musik, der Dichtung, der Baukunst und der Minne huldigte. Aber dieses Volk diente nicht dem Kreuz, sond
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